el gaviero

YouTube - Los secretos del Guernica - EFE - 25/01/2012

2012-01-26T04:43:00.001-03:00

YouTube

Un automatismo robotizado se introducirá en las entrañas del Guernica para realizar el estudio más exhaustivo de los realizados hasta el momento sobre el estado de conservación de la obra de Pablo Picasso, en el año en que se cumplen sus 75 años.

Latin America: Museum Releases Digital Archive of 20th-Century Art - Silvia Viñas - Global Voices 24/01/2012

2012-01-24T12:27:00.000-03:00

Global Voices, by Silvia Viñas, 24/01/2012 .-

The International Center for Arts of the Americas (ICCA) at the Museum of Fine Arts, Houston, has released a digital archive of 20th-century Latin American and Latino art, which, “is now available, free of charge, to the research and teaching community as well as to the public at large.” Culture magazine Ñ [es] briefly interviewed Mari Carmen Ramírez, the project's director.

El archivo digital de arte más grande del mundo es latinoamericano - entrevista a Mari Carmen Ramírez - Directora del proyecto, por Mercedes Pérez Bergliaffa, Clarín, 17/01/12

Ai Weiwei Unloads Millions of Sunflower Seeds on New York This Winter | Asia Society 05/01/2012

2012-01-06T00:32:00.000-03:00

Asia Society, by Nadia Rasul, 05/01/2012, excerpt/extracto.-

YouTube

Sunflower Seeds, the installation that is arguably the best-known work of Chinese contemporary artist Ai Weiwei, will be on display for the first time in North America at the Mary Boone Gallery in New York City beginning this Saturday, January 7, 2012.

The exhibit consists of millions of individually hand-sculpted and hand-painted porcelain sunflower seeds produced in the Chinese town of Jingdezhen. The intricate production process employed over 1,600 people who used traditional porcelain production techniques to create, cumulatively, a modern work of art.

Video - The Economist - Van Gogh: A Life -

2011-12-25T17:21:00.000-03:00

Jonathan Jones - My favourite winter artworks - The Guardian 23/12/2011

2011-12-23T22:59:00.000-03:00

Enlace:: The Guardian, by Jonathan Jones, 23/12/2011, excerpt/extracto.-

A note-perfect Nativity by Piero della Francesca (1470s)

This is one of the most beautiful nativity scenes ever painted. Even though it was left unfinished, it has an invincible calm authority. Piero has set the Christmas story in the Tuscany of his own time – this was painted in the 1470s – with a town that resembles his own, Borgo San Sepolcro, and rocks and water that evoke the landscapes of the river Arno. Most moving is the stable, a rough creation of grey stone, a decayed ruin on the outskirts of town. But when you look at the choir of angels, realism ends. Their limbs are rounded like the geometrical shapes Piero studied as a noted mathematician. The harmonies of their forms make you hear the perfect note they sound. Everything from the crystal sky to the prayer of the virgin adds to the sense of revelation
Photograph: National Gallery

Exposición en El Prado: Bruegel el Viejo rejuvenece con 'El vino de la fiesta de San Martín' cadenaser 12/12/2011

2011-12-12T20:46:00.000-03:00

'El vino de la fiesta de San Martin' de Pieter Bruegel el Viejo, adquirido por el Museo del Prado y el Ministerio de Cultura se exhibe desde este martes en una de las salas de la pinacoteca, junto a su radiografia y un viceo explicativo de su restauración. Con ello el público va a poder conocer la complejidad del proceso de intervención sobre el lienzo hasta recuperar su textura y sus colores originales.YouTube EFE

Jan Johansson - Liksom en herdinna ("The Lute Player")

2011-12-10T22:02:00.003-03:00

YouTube

Carl Michael Bellman (1740-1795) - Fredman's Epistel No. 80 Liksom en herdinna (which actually means "Like a shepherdess").

Jan Johansson (1931-1968) piano, Claes Rosendahl afl, Sven Berger brq ob, fl, Rune Gustavsson gt, Arne Willhelmsson bs.

Painting by Hendrick Sorg
"The Lute Player"(1661).

Los rayos X descubren una nueva obra de Rembrandt - telecinco.es

2011-12-02T22:06:00.002-03:00

telecinco.es. 02/12/2011, extracto.-

'El viejo con barba' fue pintada por el autor flamenco en torno a 1630
Los expertos han descubierto un autorretrato inacabado del pintor en el lienzo
La obra se atribuía a un discípulo de Rembrandt

YouTube - Edvard Munch - by Distant Mirrors

2011-11-27T23:49:00.002-03:00

YouTube

Edvard Munch (Norwegian pronunciation: [ˈmuŋk], 12 December 1863 -- 23 January 1944) was a Norwegian Symbolist painter, printmaker and an important forerunner of expressionist art. His best-known composition, The Scream, is part of a series The Frieze of Life, in which Munch explored the themes of love, fear, death, melancholia, and anxiety.
Edvard Munch was born in a rustic farmhouse in the village of Ådalsbruk in Løten, Norway to Christian Munch, the son of a priest. Christian was a doctor and medical officer who married Laura Catherine Bjølstad, a woman half his age, in 1861. Edvard had an older sister, Johanne Sophie (born 1862), and three younger siblings: Peter Andreas (born 1865), Laura Catherine (born 1867), and Inger Marie (born 1868). Both Sophie and Edvard appear to have inherited their artistic talent from their mother. Edvard Munch was related to painter Jacob Munch (1776--1839) and historian Peter Andreas Munch (1810--1863).
After numerous experiments, Munch concluded that the Impressionist idiom did not allow sufficient expression. He found it superficial and too akin to scientific experimentation. He felt a need to go deeper and explore situations brimming with emotional content and expressive energy. Under Jaeger's commandment that Munch should "write his life", meaning that Munch should explore his own emotional and psychological state, Munch began a period of reflection and self-examination, recording his thoughts in his "soul's diary".This deeper perspective helped move him to a new view of his art. He wrote that his painting The Sick Child (1886), based on his sister's death, was his first "soul painting", his first break from Impressionism. The painting received a negative response from critics and from his family, and caused another "violent outburst of moral indignation" from the community.
Munch continued to employ a variety of brushstroke technique and color palettes throughout the 1880s and early 1890s as he struggled to define his style.His idiom continued to veer between naturalistic, as seen in Portrait of Hans Jæger, and impressionistic, as in Rue Lafayette. His Inger On the Beach (1889), which caused another storm of confusion and controversy, hints at the simplified forms, heavy outlines, sharp contrasts, and emotional content of his mature style to come.He began to carefully calculate his compositions to create tension and emotion. While stylistically influenced by the Post-Impressionists, what evolved was a subject matter which was symbolist in content, depicting a state of mind rather than an external reality. In 1889, Munch presented his first one-man show of nearly all his works to date. The recognition it received led to a two-year state scholarship to study in Paris under French painter Léon Bonnat.

When Munch died, he bequeathed his remaining works to the city of Oslo, which built the Munch Museum at Tøyen (it opened in 1963). The museum hosts a collection of approximately 1,100 paintings, 4,500 drawings, and 18,000 prints, the broadest collection of his works in the world.The Munch Museum currently serves at Munch's official Estate and has been active in responding to copyright infringements, as well as clearing copyright for the work, such as the appearance of Munch's The Scream in a 2006 M&M advertisement campaign.The U.S. copyright representative for the Munch Museum and the Estate of Edvard Munch is the Artists Rights Society.
[from Wikipedia]

Music by:Robert Rich & Steve Roach.
http://robertrich.com/
http://www.steveroach.com/

YouTube - Pedro Gandolfo: Volver a leer a... Chéjov (El jardín de los cerezos) - CEP (Chile) - nov. 2010

2011-10-31T19:21:00.001-03:00

YouTube/CEP

Un atelier de fabrication de peinture vieux de 100 000 ans découvert en Afrique du Sud › Le Journal de la Science - 14/10/2011

2011-10-14T23:56:00.001-03:00

Le Journal de la Science

Un atelier servant à fabriquer de la peinture a été découvert dans une grotte d'Afrique du Sud. Cet atelier était utilisé il y a... 100 000 ans. Une découverte qui éclaire d'un jour nouveau les facultés cognitives de nos ancêtres.

C'est au fond de la grotte de Blombos, en Afrique du Sud, que le préhistorien Christopher Henshilwood, chercheur à l'Université de Witwatersrand (Johannesburg, Afrique du Sud), a fait une étonnante découverte. Celle d'un atelier qui servait à fabriquer des pigments ocres... il y a 100 000 ans ! Si l'on savait déjà qu'Homo sapiens utilisait des pigments à cette époque, cette nouvelle découverte montre qu'il était aussi capable de produire et de conserver ces pigments. Ce qui vient confirmer l'étendue de ses capacités cognitives dès cette époque. Ces travaux ont été publiés le 14 octobre 2011 dans la revue Science.

YouTube - Arte Virreinal - Perú

2011-08-14T00:34:00.000-04:00

YouTube Canal de lucesdelaciudad1

YouTube - Claude Lorrain - (Música: Pachelbel)

2011-08-06T23:32:00.000-04:00

Escribe Michael Bockemühl sobre Turner y Lorrain (1600-1682) (en J.M.W Turner, Benedikt Taschen, 1992, página 12):

"El año 1799 tuvo lugar un encuentro - decisivo para Turner - con las obras de Claude Lorrain conservadas en la colección Angerstein. El cuadro 'Un puerto marítimo' lo conmovió hasta las lágrimas. Al parecer, fueron los cuadros de Lorrain los que lo llevaron a descubrir la posibilidad de plasmar la luz utilizando exclusivamente medios pictóricos. La luminosidad de los colores, los matices en tonos pastel, la concentración exclusiva en los efectos de la luz, el círculo del sol, desnudo e implacable, tantas veces pintado por Lorrain, todo ello le pareció imposible de imitar. Turner pensó que nunca podría ser capaz de pintar cuadros semejantes."

Música (enlace) Olivier Messiaen Fantasie (1933) - Interprete: Peter Sheppard Skaerved (2008)

2011-08-06T20:42:00.000-04:00

OLIVIER MESSIAEN-FANTASIE 1933 - escuchar en: http://www.peter-sheppard-skaerved.com

Olivier Messiaen-Fantasie 1933 (publicación póstuma 2007)

Live Performance:
Peter Sheppard Skaerved-Violin (Stradivari 1699 ‘Crespi’)
Roderick Chadwick-Piano
Wilton’s Music Hall 19 3 2008

Según Wikipedia

(...) A number of Messiaen's compositions were not sanctioned by the composer for publication. They include the following, some of which have been published posthumously, and some of which are lost.

La dame de Shallott, for piano (1917)
La banquet eucharistique, for orchestra (1928)
Variations écossaises, for organ (1928)
Mass, 8 sopranos and 4 violins (1933)
Fantaisie, for violin and piano (1933; published 2007)
Fêtes des belles eaux, for six ondes Martenots (1937)
Musique de scène pour un Œdipe, electronic (1942)
Chant des déportés, chorus and orchestra (1945, then lost, rediscovered 1991)
Timbres-durées, musique concrète (1952), realised by Pierre Henry in the radiophonic workshop of French radio, an experiment which Messiaen later deemed a failure[51]
Feuillets inedits for piano and ondes martenot (published 2001)
Concert à quatre ("Quadruple concerto"), piano, flute, oboe, cello and orchestra (1990–91, almost finished at the time of his death, completed by Loriod and Benjamin)

(Video) Ancient mosaic discovered in Rome's Coliseum - by David Willey BBC 31/07/2011

2011-07-31T04:18:00.000-04:00

Enlace (vídeo):: Ancient mosaic discovered in Rome's Coliseum , David Willey, BBC News 31/07/2011

A 2,000-year-old mosaic wall has been discovered in perfect condition in a cellar near the Coliseum in Rome.

Archaeologists say they think the fresco, which shows the Greek god Apollo surrounded by his muses, may be just one of many hidden at the site.

La asombrosa modernidad de Turner: 2 acuarelas de barcos

2011-07-25T23:58:00.000-04:00

Botes en el mar tiene ya unos 180 años y Barco ardiendo unos 175 añós. Y Turner unos 55 años cuando pintó el primero y unos 60 (y tantos) años cuando pintó Botes en el mar. Su genio artístico y su búsqueda experimental son asombrosos. Las dos acuarelas bien podrían ser recientes; tan contemporáneo es él.

Barco Ardiendo? A Wreck (possibly related to 'Longships Lighthouse, Land's End') circa 1835-40
Watercolour on paper
support: 338 x 491 mm
on paper, unique
Accepted by the nation as part of the Turner Bequest 1856
D25163
Finberg number: CCLXIII 41

Senala Michael Bockemühl que:

"En Barco ardiendo (?) ... puede observarse, sobre un pliego previamente coloreado en un tono gamuza, una mancha negra trazada con vigor y otra, bastante ligera, de color rojo, ambas extraordinariamente disueltas; si se parte del centro, casi toda la mitad drecha está cubierta de una segunda capa de veladura, en la que confluyen el rojo y el negro. Los claros contornos terminan, hacia la izquierda, donde empiezan las pinceladas negras, y se pueden interpretar como el casco de un barco, mientras que las huellas vigorosas se volatilizan como si fueran humo y fuego. La gran economía de medios se muestra sobre todo en los trazos borrados con el pincel casi seco desde el centro todavía humedo, y elo bordes producidos por el secado, los cuales transforman la claridad del fondo libre en las luces refulgentes de una olas que se agitan en el primer plano." (página 38, Michael Bockemühl, J.M.W.Turner El mundo de la luz y del color, Benedikt Taschen, Köln, 1992)

Boats at Sea after circa 1830

Watercolour on paper
support: 222 x 280 mm
on paper, unique

Accepted by the nation as part of the Turner Bequest 1856

D35925
Finberg number: CCCLXIV 82

México - La triada de los felinos - hallazgo - cultura olmeca

2011-07-25T18:39:00.000-04:00

Descubren investigadores del INAH relieve olmeca con felinos

Investigadores del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) informaron que en la zona arqueológica de Chalcatzingo, en el municipio morelense de Jantetelco, descubrieron un relieve olmeca de más de una tonelada y media de peso, el cual muestra imágenes de tres felinos y se calcula que tiene una antigüedad de dos mil 800 años.

(...) Precisó que los felinos que se observan en el relieve están labrados de perfil, sentados y mirando al poniente mientras exhiben en los maxilares superiores un gran colmillo, y cada uno presenta diseños distintos en la cabeza. Toda la escena está rodeada por grandes volutas.

"Danzón 2" de Arturo Márquez - Gustavo Dudamel

2011-07-13T21:26:00.003-04:00

YouTube

Gustavo Dudamel avec l'Orchestre des jeunes du Venezuela interprètent le Danzon n°2 de Arturo Marquez.

"Danzón 2" (1994), del compositor mexicano Arturo Marquez.

"Durante Enero y febrero de 1994 la Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM) le encarga una obra, Escribiendo Danzón 2 para orquesta que se estrena en marzo con Francisco Savín Como director. Este danzón se escribió, durante los meses del levantamiento Zapatista que habría de inquietar el ánimo del compositor hacia una nueva justicia para los pueblos indígenas. Ese mismo año ingresó al Sistema Nacional de Creadores." Wikipedia

Peonías y canario Ukiyo-e 1833 - artista: Katsushika, Hokusai (Japón 1760-1849) - Biblioteca Digital Mundial

2011-07-12T23:36:00.001-04:00

Fuente: Biblioteca Digital Mundial

Título: Peonías y Canario

Descripción

El arte japonés de Ukiyo-e ("Fotos del mundo flotante [o triste]"), desarrollado en la ciudad de Edo (actualmente Tokio) durante el Periodo Edo o Tokugawa (1600-1868), una época relativamente pacífica durante la cual los shoguns Tokugawa gobernaron Japón e hicieron de Edo la sede del poder. La tradición Ukiyo-e de imprimir y pintar en madera continuó en el siglo XX. Está impresión, hecha en 1833 o 1834, forma parte de la serie "Pequeñas Flores" de Katsushika Hokusai (1760-1849). Es inusual en su color de fondo y en su tamaño. Otros ejemplos de esta impresión, que se encuentran en el Museo Británico y en el Museo Nacional de Tokio, poseen un color de fondo azul intenso. Es parecida a una impresión de la Colección de James A. Michener, en la Academia de las Artes de Honolulu y, al igual que ella, posee una combinación de los sellos de los censores y del autor.

Artista

Katsushika, Hokusai (1760-1849)

Fecha de creación

1833

Idioma

Japonés

Título en el idioma original

Shakuyaku Kanaari

Lugar

Asia Oriental > Japón

Tiempo

1800 d.C. - 1849 d.C.

YouTube - Una exposición descubre la obra gráfica del escultor británico Henry Moore - EFE 30/06/2011

2011-06-30T13:21:00.000-04:00

YouTube

YouTube - Turner Watercolours - National Gallery of Ireland: A light in the darkness

2011-06-27T22:15:00.000-04:00

YouTube

Every year the National Gallery of Ireland display their collection of watercolours and drawings by perhaps the greatest ever British artist J.M.W. Turner (1766-1835). The Vaughan Bequest grows more and more popular with the Irish public with each passing year. This is short video of this year's collection entitled "A Light in the Darkness".

Documental: Gabriela Mistral - TVN Chile

2011-06-25T01:04:00.002-04:00

documental presentado hace algunos años por el canal TVN (Chile) - enlace a vídeo YouTube

Gabriela Mistral en Wikipedia

Homenaje a Rufino Tamayo - 25 de agosto de 1899 - 24de junio de 1991

2011-06-24T11:23:00.001-04:00

"El mundo existe por obra de la imaginación que, al transfigurarlo, nos lo revela." Octavio Paz en "Tamayo. Geometría y transfiguración."

Enlace:: Galería Rufino Tamayo - museotamayo.org

Pressure + Ink: Lithography Process - MoMA videos

2011-05-22T10:40:00.002-04:00

YouTube

Ai WeiWei - enlaces

2011-05-16T13:55:00.000-04:00

Perfil:: Ai WeiWei

China: Ai Weiwei's wife allowed to visit him for the first time in prison Shanghaiist 16/05/2011

Una piedra en el zapato para la China oficial - Mundo.es (archivo).-

Ai Weiwei - información en google realtime

YouTube: The Kepler Orrery

2011-05-16T13:30:00.002-04:00

YouTube

Enlace:: YouTube Video Makes Planet Hunting Fun
By Michael D. Lemonick Time.com 16/05/2011

La línea del tiempo de la historia del arte. Una presentación del MET

2011-05-14T01:51:00.000-04:00

El Metropolitan Museum of Art ofrece un recorrido por la historia del arte - comienza el año 20.000 AD.

Para ingresar, hacer click sobre la imagen.

Redisplaying the 19th-20th Century European Collection at the Fitzwilliam Museum - Cambridge University

2011-05-14T01:46:00.003-04:00

YouTube 17/02/2011

Hear curator Jane Munro talk about the Museum's mission to refurbish and redisplay one of its most popular galleries, and learn more about three painters featured on its walls: Augustus John, William Nicholson and William Orpen.

Neruda

2011-05-13T15:05:00.002-04:00

Documental sobre la vida del poeta, con material ilustrativo de archivos.

[Pablo Neruda au Chili. Itinéraire d'un poète. Realizado el 24 de diciembre de 2006. Toulon, Francia.]

YouTube - El código maya - Discovery Channel

2011-05-06T19:24:00.001-03:00

Vídeo - Ana María Matute: Discurso de agradecimiento del Premio Cervantes - rtve.es 27/044/2011

2011-04-27T12:40:00.003-03:00

Pirotecnia colorista, rebelión sin fin - La pintura de Joan Miró en la Tate Modern - El País 13/04/2011

2011-04-14T01:02:00.003-03:00

Azul I-II-III, tríptico pintado por Joan Miró en 1961: una de las obras estelares de la exposición de la Tate Modern.- TATE MODERN

PATRICIA TUBELLA - Londres - El País 13/04/2011 extracto.-

(...) Organizada por la Tate Modern en colaboración con la Fundació Joan Miró de Barcelona, la exposición se abrirá mañana al público con un impresionante despliegue de 150 pinturas, dibujos y esculturas que recorren la evolución de sus rasgos formales e inspiraciones temáticas. También sus diferentes grados de compromiso, desde los carteles que realizó en apoyo de la República española, su exilio interior bajo la dictadura franquista y la agresividad de sus obras tardías cuando el régimen ya se revelaba moribundo.

Mozart Concierto Nº20 María Joao Pires - Pierre Boulez - BPO

2011-03-25T12:29:00.000-03:00

1 - Mozart - Concerto N°20 Joao Pires
by Quarouble

Janis Tomlinson: "From Capricho to Fatal Consequences: Goya's Imagery of War 1809-1814" - UC Berkeley

2011-03-13T23:32:00.000-03:00

YouTube UCBerkeley

Escuela Cuzqueña - artemundolatino

2011-03-06T06:50:00.001-03:00

YouTube - EFE: "Gauguin: Maker of Myth", una muestra sobre las obsesiones del artista "salvaje e inadaptado"

2011-02-27T16:51:00.001-03:00

EFE 27/02/2011

YouTube: El dibujo, la pasión privada e íntima del polifacético Miguel de Unamuno

2011-02-07T13:33:00.003-03:00

Anish Kapoor en el Museo Guggenheim Bilbao - vía ecuadernos

2010-10-02T01:34:00.004-04:00

Fotos: Flickr Guggenheim Bilbao Museoa /Sets/Anish Kapoor (exposición hasta el 12/10/2010)

Vía: ecuadernos - José Luis Orihhttp://www.blogger.com/img/blank.gifhttp://www.blogger.com/img/blank.gifuela

Enlace a YouTube: Anish Kapoor at the Royal Academy - 2009 The Economist

Anish Kapoor en Wikipedia

La luz de Monet ilumina Paris

2010-09-25T19:28:00.004-04:00

Una ambiciosa retrospectiva sobre Claude Monet - enlace a vídeo AFP (toma unos segundo cargar) , AFP 22/09/2010
Monet busca plusmarca en París, El País, 22/09/2010
Claude Monet | Nemúfares, en el MOMA - El Gaviero - martes, mayo 01, 2007

El informe Toledo - por Carlos Bonfil - La Jornada - México

2010-08-29T15:45:00.002-04:00

La Jornada, por Carlos Bonfil, 29/08/2010.-

A partir de un texto muy breve de Franz Kafka, Un informe para una academia, el documentalista Albino Álvarez propone un sugerente recorrido por la vida y obra del artista gráfico y pintor juchiteco de 70 años, Francisco Toledo. La elección del texto de Kafka, narrado a través de una estupenda animación cuadro por cuadro a cargo del estudio Diez y Media, es significativa.

El artista oaxaqueño había elaborado una carpeta de grabados inspirados en el informe que hace un mono ante una junta de académicos sobre su paulatina transformación en ser humano. Luego de ser capturado en la selva y herido en una cadera (la cicatriz le vale el nombre de Pedro el Rojo), el mono es enjaulado y en poco tiempo aprende el lenguaje y el comportamiento humano. "El mono que aprende soy yo", precisa Toledo, quien añade, "salgo de la manada juchiteca y aprendo las buenas maneras".

El documental sigue de cerca el proceso de aprendizaje, el paso por la ciudad de México, el primer contacto con una galería de arte (Antonio Souza), la formación después en el París de principios de los años 60, con el apoyo del pintor Rufino Tamayo y del grabador Peter Bramsen. A los 20 años el mono oaxaqueño se incorpora plenamente al mundo de los hombres y afina en París "una cultura de europeo medio", sufre las gozosas penurias del autoexilio juvenil en la capital artística, valora la obra gráfica de Tàpies y Dubuffet, y asimila la influencia del grabado clásico, en especial la del alemán Durero. El pintor refiere este primer periodo formativo con timidez característica, aunque no sin una punta de humor y de ironía.

Francisco Teledo. "Chivo" - Arte de Méxio, el artista de Oaxaca., El Gaviero, abril de 2007

Jorge Luis Borges - La Ceguera

2010-08-19T18:04:00.000-04:00

Conferencia dictada por Jorge Luis Borges, el 3 de agosto de 1977 en el Teatro Coliseo de Buenos Aires.

Borges y los colores

Mentiras y verdades reveladas en la National Gallery de Londres - afp

2010-06-29T22:07:00.002-04:00

YouTube - apf: Mentiras y verdades - National Gallery

Desde puras falsificaciones a fallos de atribución, pasando por enigmas sin resolver e incluso hallazgos inesperados, la National Gallery revela por primera vez los resultados más llamativos de sus investigaciones científicas. La exposición "Inspección detallada: falsificaciones, errores y descubrimientos", explora a través de 40 cuadros los retos a los que se han enfrentado los científicos, historiadores y conservadores de la pinacoteca londinense, que cuenta con casi 2.500 obras. Un informe de AFPTV.

Los paisajes de Turner llegan a España - El Universal - Museo Nacional del Prado

2010-06-23T00:37:00.000-04:00

El UniversalTV (Mx)

Museo Nacional del Prado: Turner y los maestros
William Turner - Una video- presentación del Dallas Museum of Art in Texas (de Archivos) - El Gaviero, dic 2008
El Barco de los Esclavos - Notas sobre William Turner y Francisco de Goya, por arturo durán, en El Gaviero, agosto 2008
Entradas sobre Turner en El Gaviero
La exposición «Turner y los maestros» llega al Prado tras pasar por Londres y París - Javier Barón, comisario de la muestra, subraya la oportunidad de ver una obra que no está en los museos españoles, lne.es, 23/06/2010
El Prado cuelga la lección de paisaje y contexto de Turner, Pedro Vallín, Madrid, La Vanguardia, 22/06/2010

"De Gaudí a Picasso":recorrido histórico por el modernismo - EFE

2010-06-12T16:52:00.000-04:00

Valencia, 11 jun (EFE). (Imagen: Ana Crespo).- La muestra "De Gaudí a Picasso", que estará abierta hasta el 27 de junio, centra la mirada sobre el arte catalán, prestando especial atención a la obra de juventud de Picasso y Julio González, artistas que se formaron durante el Modernismo y llegaron a ocupar un lugar destacado en la historia de la pintura y la escultura del pasado siglo.

Expertos italianos encuentran un nuevo cuadro de Rafael en los archivos de un museo - El País

2010-05-07T22:24:00.002-04:00

Fuente: El País, 07/05/2010, extracto.-

A veces pasa: la copia era el original. Y lo que todos pensaban que era el original, era en realidad la copia. Los análisis realizados en los laboratorios de Florencia Art-Test han certificado "el milagro". Un delicado "retrato de mujer", que fue considerado durante décadas una copia apañada en el siglo XVII a partir de la célebre Virgen de la perla, atribuida a Rafael y expuesta en el Museo del Prado, era realmente un fragmento original pintado por el genio de Urbino poco antes de morir."

Vídeo - documental sobre Henri Cartier-Bresson - entrevista a Lars van de Goor

2010-03-11T18:05:00.005-03:00

Photointeview - The Poetry of nature in the Photography of Lars van de Goor - Vía: Twitter

Entrevista a Henri Cartier - Bresson - por Charlie Rose:

Caravaggio, genio irreverente - Galería de pintura - enlaces

2010-02-19T15:08:00.003-03:00

Caravaggio, genio irreverente - enlaces a galería de imágenes de El País

Musici, 1594-1595

Imágenes: The Metropolitan Museum of Art, Florencia

Fuente: El País "Caravaggio pata negra" Una exposición reúne en Roma 24 obras "certificadísimas" del genio irreverente", Miguel Mora, 19/02/2010,extracto.-

Llega mañana a Roma la exposición más esperada del año. Michelangelo Merisi (Milán, 1571-Porto Ercole, 1610) toma hasta el 13 de junio las salas de las Caballerizas del Quirinal con sus sombras misteriosas y su mirada a caballo entre lo hereje y lo sagrado. El violento genio lombardo surge en todo su esplendor, a través de 24 obras maestras procedentes del mundo entero, todas ellas con certificado de autor "seguro y documentado", según afirma el comisario, Claudio Strinati. Además, se exhibe una tela de dudosa atribución, La captura de Cristo en el huerto (1602), traída desde Dublín como ejemplo de la polémica que sigue persiguiendo al artista y delincuente habitual en el 400º aniversario de su muerte.

Enlace a YouTube - Reuters - Rome celebrates Caravaggio

Technorati Tags : exposición, Caravaggio, Italia

Vídeo: Caspar David Friedrich - exposición de dibujos y acuarelas - romanticismo alemán

2009-10-16T10:25:00.000-03:00

Explorar el dibujo para entender la pintura: Christina Grummt, comisaria de la exposición que la Fundación Juan March le dedica a Friedrich, habla sobre el pintor y su proceso creativo.

Fuente: Romanticismo a carboncillo - La Juan March reúne en una muestra única dibujos y acuarelas de Caspar David Friedrich - Su iconografía definió el movimiento cultural del siglo XIX. en: El País, 15/10/2009

Enlace a vídeo (formato grande) en El País: Explorar el dibujo para entender la pintura

Exposición en Roma: Caravaggio - Francis Bacon - Dos pintores, un tormento – BBC

2009-10-15T13:59:00.002-03:00

BBC: Por primera vez se exhiben de forma conjunta las obras de Michelangelo Merisi da Caravaggio y Francis Bacon. La muestra, que tiene lugar en la Galería Borghese de Roma, reúne a dos artistas que expresaban los padecimientos del alma en la forma humana, aunque de maneras radicalmente distintas. El evento se realiza a cuatro siglos de la muerte del italiano Caravaggio y a cien años del nacimiento del británico Bacon.[BBC: Dos pintores, un tormento.]

Tributo a René Magritte. La Bella Estación

2009-08-15T11:07:00.003-04:00

Rene Magritte - Bélgica- 21 de noviembre de 1898 - 15 de Agosto de 1967.

YouTube/Distant Mirrors

René Magritte en Wikipedia
Magritte, los sueños en:Mi Siglo, blog - J.J. Perlado Es

Technorati Tags : arte, pintura, Magritte, La Bella Estación

Acerca del arte conceptual de la fotografía:Axel Hütte

2009-08-04T19:26:00.003-04:00

Glaciares de Bossons - Axel Hütte
Ver también el extraordinario díptico: Alaska

Clarín 04/08/2009 "La fotografía es como el lenguaje, hay muchas cosas que no se pueden decir" [extracto]
“En realidad, detrás de la imagen también está escondida la idea. Es lo que la hace conceptual. Se podría decir que el fotógrafo clásico sí es un cazador de imágenes. Citando a André Breton, "está a la espera del momento de existir". O como lo describe Roland Barthes "alguien que espera el momento" que está "a la espera del momento de existir". Pero el arte conceptual de la fotografía es una reflexión sobre la realidad. La diferencia es: usted tiene una idea pero no necesita esperar el momento porque el momento se acercará a usted. La fotografía clásica es opuesta a la pintura. El pintor se puede expresar desde las tripas, mientras que el fotógrafo está cortado por la realidad. Pero los fotógrafos conceptuales están obligados a manejarse con un enfoque intelectual para decidir qué elegir antes de enfocar. En la buena fotografía, la imagen parece extraña y de alguna manera irreal. El pathos, el elemento que influye en su sueño, fue realizado por el autor. Mi enfoque es dar un poco de realidad para que el espectador pueda cumplir su propio sueño.
Sí, pero tiene que encontrar el lugar, el momento y la luz.
Tengo que seleccionar. La selección es el principio más importante. El desafío es cómo mirar las cosas que todo el mundo puede ver y hacerlas parecer totalmente distintas. Ese es el enfoque artístico. Es lo que hace la diferencia entre el amateur y el artista.”

Etiquetas de Technorati: fotografía,arte conceptual,imagen

Escritor William Ospina, Premio Rómulo Gallegos 2009

2009-08-03T00:23:00.002-04:00

En Flandes, en 1547, Teofrastus me lo explicó todo. «Nos dieron la diversidad del mundo», me dijo, «pero nosotros sólo queremos el oro. Tú encontraste un tesoro, una selva infinita, y sentiste infinita decepción, porque querías que esa selva de miles de apariencias tuviera una sola apariencia, que todo en ella no fuera más que leñosos troncos de canela de Arabia. Anda, dile al designio que hizo brotar miríadas de bestias que tú no quieres ver más que tigres. Dile al artífice de los metales que sólo estás interesado en la plata. Dile al demiurgo que inventó las criaturas que el hombre sólo quiere que sobreviva el hombre. Ve y dile al paciente alfarero que modela sin tregua millones de seres que tú sólo quisieras ver un rostro, un solo rostro humano para siempre. Y dile al incansable y celeste dibujante de árboles que sólo te interesa que un árbol exista. Es eso lo que hacemos desde cuando surgió la voluntad. Apretar en el puño una polvareda de estrellas para tratar de condensarla en un sol irradiante. Reducir a la arcilla las estatuas de todos los dioses para alzar de su masa un dios único, desgarrado de contradicciones, atravesado de paradojas y por ello lastrado de imposibles.»

Prólogo de la novela El País de la Canela, de William Ospina, Premio Rómulo Gallego 2009

William Ospina en Wikipedia
William Ospina en Google Noticias
El País de la Canela Capítulo 1 – La primera ciudad que recuerdo – archivo formato PDF 22 páginas

Etiquetas de Technorati: literatura,William Ospina,premio Rómulo Gallegos

Pintura rupestre san - África - Biblioteca Digital Mundial

2009-05-21T18:37:00.007-04:00

Fuente de imagen y documentación: Biblioteca Digital Mundial

Título: Pintura rupestre S00927, Clocolan, distrito municipal de Dihlabeng, Sudáfrica, Estado Libre.

Descripción

Esta pintura rupestre de los San muestra un animal de lluvia en colores ciruela y blanco. Las comunidades de los San creían los animales de lluvia tenían que ser capturados y sacrificados por los chamanes, a fin de traer lluvia. La imagen de la pintura es parte de la Woodhouse Rock Art Collection del Departamento de Servicios Bibliotecarios de la Universidad de Pretoria. La colección incluye más de 23.000 diapositivas, mapas y trazados de un gran número de sitios de arte rupestre en el sur de África. Los San eran un pueblo de cazadores-recolectores que vivieron en todo el sur y el este de África durante miles de años antes de ser desplazados por tribus africanas y colonizadores europeos. El pueblo San sigue viviendo en el desierto de Kalahari de Namibia.

Fotógrafo
Woodhouse, Herbert Charles (1919-)
Fecha de creación
1979
Título en el idioma original
Rock Painting S00927, Clocolan, Dihlabeng District Municipality, Free State
Lugar
África > Sudáfrica > Estado Libre > Clocolan
Tiempo
8000 a.C. - 499 d.C.
Tema
Artes y recreación > Artes y recreación > Tratamiento histórico, geográfico y de personas
Palabras clave adicionales
Animales de la lluvia ; Arte rupestre ; Arte san ; Distrito municipal de Dihlabeng ; Pinturas rupestres
Tipo de artículo
Grabados, fotografías
Descripción física
Representación de una diapositiva
Colección
Colección Woodhouse de arte rupestre
Institución
Biblioteca de la Universidad de Pretoria
Recursos externos
http://hdl.loc.gov/loc.wdl/saprup.3009

Technorati Tags : pintura rupestre, Áfica, San,
Biblioteca Digital Mundial, arte

Enlace Video | Retrospectiva de Kandinsky en el Pompidou de París - AFP

2009-04-12T14:22:00.005-04:00

Enlace:
Retrospectiva de Kandinsky en el Pompidou - YouTube 07/04/2009

Technorati Tag: Kandinsky

Giorgio de Chirico | Misterio y melancolía de una calle - 1914

2009-02-08T22:14:00.006-03:00

(TEXTO 1er Borrador - notas sobre Misterios...)

Giorgio de Chirico (Volos, 10 de julio de 1888 – Roma, 20 de noviembre de 1978). De familia noble, de Italia, su padre trabajaba para ferrocarriles en Bulgaria y Grecia - en años en que era la industria de avanzada tecnológica. Crece en Grecia, estudia arte en Atenas, viaja luego a París. Conoce allí a Gaugin.

Pinta 'Misterio y Melancolía de una calle' a los 26 años, en 1914, cuando Europa se prepara para la Gran Guerra.

Las nociones utilizadas para clasificar el arte de Chirico son aquellas de la pintura metafísica y también de arte mágico. Al revisar sus obras uno puede observar que una fuente de su misterio reside en la estática del paísaje urbano clásico: grandes edificaciones, torres y plazas pobladas por sólo una pareja, cuyas dimensiones contrastan con la grandeza de la construcción. A veces se interpreta cómo la soledad a que se enfrenta el hombre moderno, una inquietud, una angustia existencial. Giorgio de Chirico fue lector de Nietzche en su juventud. Tal vez eso explique algunos aspectos de sus pinturas. Otros observan el silencio que transmiten sus obras.

A diferencia de otras pinturas, en ésta se observa movimiento. La niña corre impulsando el aro con la barra. Lo cual saca a esta pintura de la sensación de tiempo detenido que transmiten otras obras del artista. También aquí vemos al final de la perspectiva de arcos, la banderola flameando al viento. Se ha visto también en esta pintura motivos de inquietud y de amenazas, de miedo - tal vez por extensión desde la obra general - pero aquí la niña juega.

Tal vez encontramos los símbolos - la serie de arcos - ¿representa aquella nostalgia del infinito que dió nombre a la pintura de la torre? Tiempo marcado por el movimiento y espacio parecen estar en juego en esta tela.

Quien haya caminado por ciudades italianas en días desiertos, sabe de la impresión que produce el paisaje urbano formado por grandes edificaciones, monumentos de otros tiempos. También de la impresión de iglesias a veces vacías, cerradas, abandonadas, detenidas en el tiempo...

¿Por qué entonces el título? ¿ recuerdos de su infancia?

Roma, Casa Museo de Giorgio de Chirico. Foto de José Mazcona. Flickr.

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Gisèle Freund – una muestra de su fotografía en Berlín.

2009-01-11T10:52:00.003-03:00

El New York Times trae una presentación interactiva con ocasión de la exposición en Berlín del arte de Gisèle Freund (1908- 2000)

Gisèle Freund fotografió Berlín de los años cincuenta, cuando visitó su ciudad natal. Busca con su cámara la ciudad de su infancia y juventud pero Berlín de post-guerra era diferente de aquel de entreguerras que ella debió abandonar a los 25 años.

¿En qué barrio de Berlín habrá crecido?

De niña debe haber visto al Kaiser Guillermo II, el último Hohenzollern antes de la República. Berlín de los años de Weimar era un interesante centro de vida intelectual y de arte. Imagino conoció a Walter Benjamin, a quien también interesaba la perspectiva de la infinita reproducción que la técnica abría al arte. Su padre le regaló una Leica para la graduación y en la universidad, donde fue miembro de un grupo socialista, decidió hacer de la fotografía parte integral de la práctica socialista.

Hasta que llegaron los nazis, Auschwitz y la guerra.

El 33 llega a Francia donde probablemente preparó el material para su libro ‘La fotografía y las clases medias en Francia durante el siglo XIX’ editado por Losada en la colección Biblioteca Sociológica dirigida por don Francisco de Ayala, en Buenos Aires de 1946.

Autoretrato, 1950.

Allí escribe “…porque la fotografía, aunque estrictamente ligada a la naturaleza, tiene una objetividad ficticia. La lente, ese pretendido ojo imparcial, permite todas las deformaciones posibles de la realidad, porque el carácter de la imagen está determinado cada vez por la manera de ver del operador.” [página 12]

Colombia – Museo de Arte Colonial

2009-01-03T12:40:00.001-03:00

Un vídeo de El Tiempo, de Bogotá, con el relato de la historia del museo.

Durante el año 2008 mi interés por el arte colonial ha tenido mejor suerte y ya tengo algunos textos interesantes para leer durante este año.

YouTube, El Tiempo, Bogotá.

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William Turner - Una video- presentación del Dallas Museum of Art in Texas (de Archivos)

2008-12-25T20:25:00.003-03:00

Turner y Goya son a mi entender los dos artistas maestros de la modernidad.

Volver a los Turner es siempre una experiencia extraordinaria. Hace años tuve oportunidad de visitar frecuentemente la Tate Gallery y en especial el ala Turner - antes de que restauraran e hicieran de la antigua construcción de la otra rivera del Támesis la nueva Tate.

Aprovecho el video de la exposición de la National Gallery of Art - de Washington D.C para admirar nuevamente el arte de Turner.

YouTube

La misma exposición fue presentada posteriormente en el Metropolitan Museum of Art - ver galería de imágenes.

Arth on the Lake of Zug. Early Morning:Sample Study. ca. 1842-43. Watercolor and pencil, with pen, on paper, 22,8 x 29 cm. Tate, London, Turner Bequest, 1856

El Barco de los Esclavos - Notas sobre William Turner y Francisco de Goya.

2008-08-19T01:09:00.019-04:00

Notas sobre Goya y Turner.

Durante este invierno que ya es casi primavera varias veces me he preguntado, intentando una definición, acerca de mi entendimiento de Francisco de Goya y de J.M.William Turner. Pintores que configuran unas ocho décadas de la historia del arte entre los dos, en el período que va de la segunda mitad del XVIII a la primera del XIX , con una buena parte de Goya en el siglo XVIII. Hay una diferencia de casi treinta años entre ellos (Goya nace en 1746 y Turner en 1775).

Hasta muy recientemente, me resultaba difícil establecer relaciones entre estos dos extraordinarios pintores.

A veces creo ver en los Turners las más extraordinario pinturas y me esfuerzo por revivir de memoria mis visitas al pabellón Turner de la Tate Gallery que el tiempo va borrando. Es la luz de los paisajes en las telas de Turner. Es una luz que se mezcla con todos los colores y los hace difusos, extraordinariamente interesantes. Difuminando el contorno de las cosas, entremezclándolas. Es una luz mediterránea de Turner, pero más opaca, del mejor pintor de la historia del arte británico. Y el más contemporáneo también. Si aceptamos que la modernidad en el arte empieza con don Francisco de Goya.

Un film documental sobre Turner, su vida y su obra, me permitió establecer el lado goyezco del pintor. Su inquietud por la humanidad está presente en su rechazo a la esclavitud y al tráfico de esclavos en una época en la que aún probablemte funcionaba la plaza del mercado de esclavos de Liverpool. Su postura en esa causa, su disidencia, quedó documentada en la pintura El Barco de Esclavos ['Esclavistas tirando muertos y agonizantes por la borda'1840].
En El Barco de Esclavos, William Turner pintó una escena de naufragio y tormenta, de llamas rojas sangre que manchan un cielo color mármol. Parte del cuerpo de un esclavo flota en un mar sucio de ocres y claros, víctima de peces depredadores. Un tobillo muestra un grillete, evidencia de lo que sucedió allí.[abajo a la derecha]

La obra es un documento del lado terrible de la vida y de la muerte en tiempo del mercantilismo. Las compañías de seguros que se hacían cargo en caso de naufragio no cubrían la 'carga humana' es decir no cubrían los casos en que los esclavos transportados se enfermaban - como sucedió en el caso real representado por esta obra: Turner marcó con ella un hito en la historia de la crítica anti-esclavista. Es un caso en que la compañía propietaria hunde el barco para cobrar el seguro y tira los esclavos al mar. Turner transformó ese horror en una obra de arte: un naufragio cuyos fragmentos ilustran simbólicamente lo sucedido y donde grilletes que flotan denuncian el horror.

Afortunadamente tengo a mano el libro de Michael Bockemühl 'Turner' (Taschen) y - un prestamo en señal de amistad - del gran libro catálogo del Museo del Prado para volver a ver las pinturas de Goya y el texto explicativo.

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Emil Nolde y sus coloridos paisajes nórdicos

2008-06-29T02:19:00.006-04:00

Por años creí que el húmedo e intenso colorido de las pinturas de Nolde reflejaban los campos del norte de Alemania en primavera. Cuando el invierno da repentinamente paso a una primavera escondida bajo la nieve que transforma el paisaje blanco en una condensada flora. La intensidad de los campos de amapolas y esa sensación de humedad en sus pinturas son sorprendentes.

Es sólo ahora que leo que viajó a Nueva Guinea. Y de pronto asocio esos coloridos a los de Gaugin.

Una historia interesante - a seguir.
La hermosísima voz que canta a Mahler debe ser Elisabeth Schwarzkopf.

El año pasado busqué varias veces a Nolde en YouTube, sin buenos resultados. Esta vez he tenido más suerte. Las pinturas de los campos de amapolas no aparecen aquí - quedan pendientes.
El video es de palabras errantes.

YouTube

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J.S.Bach - acerca de las variaciones Goldberg

2008-06-01T19:45:00.005-04:00

Dresden - Canaletto

Interpreta: Aaron Dunn.

Las variaciones Goldberg, de J.S.Bach, me acompañaron durante muchos años en noches de lectura o simplemente de insomnio. Las tenía en una caja de CDs (RCA Victor) - en la interpretación de Arrau - (remasterizada desde grabaciones analógicas de los años 1920 al 1940 y tantos). Las he regalado, a mi hija. Y me he quedado con esa hermosa música en el oído de la memoria, con la intención de hacerme de espacio personal para los Brandenburgueses.
A veces - en la red - encuentro versiones también extraordinarias como la de Gleen Gould (en YouTube).

Esta vez, llega vía Digizen - el blog de Mario Nuñez, quien presenta el sitio musopen - desde donde se puede descargar música clásica. Allí encontré esta versión de las Variaciones Goldberg interpretada por Aaron Dunn (más cercana al clavicordio). Y cedo a la tentación de escuchar nuevamente el aria. Y de subirla al blog.

En 1736, Bach fue nombrado "Compositor de la Corte Real de Polonia y de Sajonia" gracias a la intervención del conde Hermann Carl von Kaiserling, embajador de Rusia en la corte de Sajonia. El conde sufría frecuentemente de insomnio, y en las noches sin sueño le agradaba escuchar musica, interpretada en una sala vecina, por el joven intreprete de clavecín de su corte: Johann Gottlieb Goldberg.

El conde Kaiserling pidió entonces a Bach que compusiera para él, piezas de música suave pero consitentes, bien para dormirse o para pasar las horas de insomnio.

Imagino la música en esos hermosísimos palacios de la sajona Dresden - en esa época considerada la Venecia del norte - así tal vez la pensó Canaletto, al pintarla.

URL mp3:
[http://www.musopensource.com/files/Johann%20Sebastian%20Bach/Goldberg%20Variations,%20BWV.%20988%20-%20Aria.mp3] Se escucha bien con QuickTime Player.

Technorati Tags : Bach, Variaciones Goldberg

Vídeo | Velázquez, pintor de los pintores

2008-05-31T02:30:00.006-04:00

Technorati Tags : Velázquez, España, Sevilla, Madrid, retratos

Exposición de obra de Giuseppe Arcimboldo en Viena (1)

2008-02-11T20:04:00.002-03:00

Descripción: Rodolfo II, pintado como Vertemnus, dios romano de las estaciones. Arcimboldo c.1590-1591.

Vuelven los caprichos alegóricos de Arcimboldo a la Viena de la Casa de Austria - siglos después que el artista trabajara para los Habsburgo entre los años 1560 y 1587; fuese también retratista en la Corte Habsburgo en Praga de Maximiliano II - y su obra fuese apreciada por otros reyes, como los de Sajonia y Suecia.
Uno de los comentarios anota cuan delgada es la línea entre la increíble imaginación y la locura, línea sobre la cual trabajó de manera efectiva el artista - si bien también pinto obras religiosas y retratos de la corte.

Maximiliano II y su familia. La esposa es la infanta María de España. Arcimboldo, 1553

Enlaces::

Arcimboldo en Wikipedia

Obras de Arcimboldo en la exposición en Ciudad de Luxemburgo 2007:: IHT

Galería de obras en la Wikimedia

Technorati Tags : Arcimboldo, manierismo, imaginación, renacimiento

El hermoso arte de August Macke, un Jinete Azul en Bonn.

2008-01-28T20:15:00.001-03:00

Unser Garten mit blühenden Rabatte, 1911.
Actualmente en la Colección del Westdetusche Landesbank, en Düsseldorf

La I Guerra Mundial, la Gran Guerra, terminó tempránamente con la vida de August Macke (Enero 1887- septiembre 1914) en la campiña francesa de Champagne. Amigo de Paul Klee, habían viajado a Tunes y, como Klee, Macke pintó vistas de asoleadas calles mediterráneas. El viaje al Mediterráneo es para los artistas europeos el encuentro con la luz - y el impacto en sus telas es notable. (Así le había sucedido a William Turner). Macke fue también miembro del famoso grupo innovador Jinete Azul.

Retrato de la esposa del artista, con sombrero, 1909.
En: Westfälisches Landesmuseum fur Künst-und Kulturgeschichte, Münster
Nacido en la Westfalia, vivió la segunda mitad de su corta y productiva vida en la rivera del Rhin; su familia se trasladó a Bonn en 1900, ciudad donde en 1770 había nacido Beethoven y que más tarde, tras la II Guerra Mundial, sería capital de la República Federal durante cuatro décadas. Hoy, el nuevo 'Kunst Museum Bonn' contiene una importante colección de sus obras; en sus inicios la colección del museo estuvo especialmente dedicada a la obra de Macke.

La vida apacible del Rhin de pre-guerra - de hermosos paisajes, ciudadelas y residencias se transmite también en sus telas. Desde allí, debe haber visitado Colonia, vecina ciudad cosmopolita. Sus escenas, como 'Muchachas bajo los árboles' (1914) dan una idea de esa vida en la Alemania imperial.

Mädchen unter Bäumen, Niñas bajo los árboles, 1914. Actualmente en: Nueva Pinacoteca, München
Asombra en el arte de August Macke el colorido de sus pinturas (Franz Marc llamaba a su amigo Macke 'August vonderfarbe') y la armonía de su composición - un rasgo que distingue la modernidad de los maestros del Jinete Azul, en esas décadas de expresionismo alemán, en este caso de 'expresionismo renano' influido probablemente por el paisaje de la región.

'Seiltänzer', El Equilibrista, es considerada obra clave en el arte de Macke, muestra su interés por el arte francés (Delaunay) así como su sensibilidad para el colorido.

Seiltänzer 1914, Kunstmuseum, Bonn

Diez años más tarde, su amigo Paul Klee, trabajaría en esta litografía que también llamó 'Seiltänzer',

Seiltänzer, 1923. Centre Pompidou, Paris.

Pescadores en el Rhin es una pintura temprana, 1905: el artista tenía 18 años.

Pescadores en el Rhin, 1905. Actualmente en:: Städtische Galerie im Lenbachahaus.

Interesante colección de pinturas de August Macke en Wikimedia.

Búsqueda sobre 'August Macke' en Universal Google.

Enlaces:

August Macke, en la Wikipedia [ES]

August Macke, en la Wikipedia [DE]

Museo ' August Macke Haus in Bonn' ver fotografías de su vida en sección 'August Macke'

The Athenaeum:: Displaying artworks for August Macke

Technorati Tags : August Macke, Jinete Azul, expresionismo

Vídeo | Henri Rousseau 1944- 1910

2007-12-30T20:22:00.001-03:00

!Feliz Año 2008!
arturo_durán

Henri Rousseau, 'Carnival Evening' 1883

Henri Rousseau, llamado 'El Aduanero Rousseau', en Wikipedia

YouTube URL:
[http://es.youtube.com/watch?v=-Bv6b299xkk]

Ver presentación: 'Henri Rousseau: Jungles in Paris', Octubre 2005, National Gallery of Art, Washington DC.

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Paul Klee (II) La Maquina de Trinar. Die Zwitscher- Maschine, 1922.

2007-12-11T19:00:00.001-03:00

'Die Zwitscher-Maschine' (la Máquina de Trinar) es una obra hecha con acuarela, lápiz y tinta sobre óleo, en dibujo transferido a papel montado sobre cartón, por medio de papel carbón.

Desde 1939 está en el Museum of Modern Art MoMA, en Nueva York.

Originalmente, entre 1923 y 1937, estuvo en la Nationalgalerie de Berlín - lo que indica cuan valorada fue la pintura de Paul Klee en los años de la República de Weimar.

Confiscada en 1937 como 'arte degenerado' entartete Kunst por el gobierno de Hitler, fue incluida en la exhibición denominada Entartete Kunst en Munich y luego vendida por las 'autoridades' nazis.

Es comprada por la Galería Buchholz & Curt Valentin de Nueva York al Ministerio de Propaganda nazi que estaba en manos de Goebel, en Berlin, Febrero de 1939.

Ese mismo año es comprada por el MoMa.
Fuente: MoMa, Provenance Reasearch Project.

El tema lúdico, de luminosidad casi nocturna, de esta acuarela en la que nuestra visión de la 'La Máquina de Trinar' parece ocurrir a través de un área semi-transparente de un vidrio de filtros de colores - inspiró a Iñigo Sordo, Blanca de Miguel y José Ángel Soto para producir este sugerente short-film.

Para mejor ver se requiere aumentar la luminosidad o contraste de la pantalla.

3D Animation Shortfilm, dirigido por Iñigo Sordo, Blanca de Miguel y José Ángel Soto.

Basado en 'The Twittering Machine' de Paul Klee.

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Paul Klee ( I ) Acerca del entendimiento y del miedo.

2007-12-01T02:25:00.001-03:00

The one who understand, 1933

Máscara del Miedo, 1932

La 'Máscara del Miedo'(1932, óleo sobre lienzo, 100.4x 57,1cm) con dos pares de piernas que parecen sujetarla, está asociada a la afirmación de Klee de que 'La máscara representa el arte y esconde, trás ella, al hombre' [The mask represents art, and behind it hides man".]

Está inspirada, así lo señala el texto [del MoMA] en la escultura de un dios Zuni de la guerra, que Klee vió en un museo de etnología.

Las máscaras también fueron un motivo de Jawlensky, del grupo del Jinete Azul en el que participó Klee.

La 'Máscara del Miedo' data de 1932 - un año antes del inicio del 'regimen' de Hitler. Klee ya era un artista famoso desde los años veinte; el arrivo de los nazis cambió su mundo. En 1933, un año después de pintar esta tela, Paul Klee y su esposa se refugian en Berna, ciudad en la que ya había vivido dos veces, primero durante su infancia y cuando a comienzos del siglo XX regresó a Suiza a vivir a casa de sus padres.
En Alemania sus obras pasaron a ser calificada 'arte degenerado' por los nazis que removieron 102 obras suyas desde los lugares públicos. Hijo de padre alemán y madre suiza, Klee recibió la nacionalidad suiza en forma póstuma.[ver cronología de su vida, en Swissinfo]

"Aquel que entiende" (The one who understand) data de 1933. Y es una obra que se presta a interpretación. Si es una máscara, es transparente. Y el fondo que deja ver pareciera una playa. ¿Ha dejado el arte de esconder al artista? Probablemente Klee y su esposa ya están en Berna. A veces, al observarla creo ver la cara a través de la mira del arma de un avión (Durante la Iera Guerra, Klee fue encargado por el ejercito para fotografíar los aviones caídos). ¿Qué entiende? ¿El peligro?

La obra de Klee es grande y de un arte extraordinario. La cronología señala el año 1911 como decisivo, cuando visita el norte de África, su luz y sus colores, que harían de él un pintor. Durante algo más de veinte año observa una actividad artística intensa, entre München del Jinete Azul y Düsseldorf y otras ciudades alemanas. Al refugiarse en Berna - ¿Cómo habrá vivido este artista la tragedia que se abatía sobre Alemania? Y la destrucción en mano de los nazis de ese renacimiento modernista de las primeras décadas del siglo XX? La obra 'El que entiende' parece manifestar, como en el caso de la máscara del miedo, una premisa, aquella del artista que sabe que vive el fin de una época.

Tal vez esta sea la oportunidad, para mi, de empezar a conocer mejor al artista Paul Klee. Lo asocio a otros artistas suizos como Alberto Giacometti - que por muchos años me intrigó con sus delgadas figuras. Lo asocio también al escritor Max Frish - cuyas novelas me acompañaron durante décadas. Máx Frish, arquitecto, que en su juventud fue asistente de Bertold Brecht y que escribió esa extrordinaria novela 'Mi nombre no es Stiller'. Y en cuya obra también se juega el destino existencial de las identidades - como en el caso de las máscaras del miedo y del entendimiento.

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Technorati Tags : Paul Klee, arte, máscara

video tango: 'Escualo' de Astor Piazzolla

2007-11-03T22:17:00.001-03:00

Un excelente arreglo e interpretación. Desde la selección de videos tops de Technorati.

'Escualo' de Astor Piazzolla, arreglo de Lidia Kaminska, interpretación de ella con el saxofonista Brian Sacawa y Hugh Sung ; en el Great Auditorium en Ocean Grove, New Jersey.

Technorati Tags : música, Piazzolla, tango, video

Ukiyo-e 'Imágenes del (alegre) Mundo Flotante' ( I )

2007-10-30T21:20:00.002-03:00

Desde el siglo XVII surge en Japón el arte Ukiyo-e (la 'e' es por imagen, pintura) que relaciono con el llamado período Edo, aproximadamente entre el 1600 y el 1750. Edo era una pequeña ciudad que luego crecería para ser Tokyo.
Pero el arte Ukiyo-e se extiende también al siglo XIX hasta comienzos del siglo XX.

Según la Wikipedia, al comienzo este estilo fue usado para ilustrar libros de historias, luego para impresos de una sola páginas y carteles. Dedicado a las gentes de las ciudades sus temas eran de carácter popular, teatros y bordeles, cortesanas y actores - escenas urbanas y - paisajes que a mi entender son de una extraordinaria belleza. Todo esto cuando el arte oficial seguía los austeras patrones del confucionismo y Kyoto era sede del poder.

Museum of Fine Arts, Boston 'Drama and desire'
Japanese paintings from the floating world 1690 - 1850
Para tour on-line a obras de ese período, hacer click en imagen y
luego click en boton rojo 'Tour'
En una sociedad que por primera vez la gente común disponía de los recursos para el arte decorativo, Ukiyo-e se expandió incluso a los hogares. Biombos de varias hojas hicieron de soporte y fueron adornados con imágenes del 'mundo flotante' Ukiyo-e; hoy son considerados obras de arte y objeto de colección. Realizados sobre madera, proporcionan, por sus dimensiones, una extraordinaria vista del Ukiyo-e.

Senju no hashi, El Gran puente en Sanju, Japón; Ando, Hiroshige 1797 -1858. Library of Congress, USA. Fuente imágenes: Proyecto World Digital Library.

Un giro de la tristeza a la alegría.

Leo que originalmente 'Ukiyo'en japonés se escribía separado: 'Uki' para tristeza o miseria y 'Yo' significaba vida. Una noción budista de la vida dolorosa en la tierra.

Pero el mundo urbano y comercial emergente del siglo XVII le dió un giro e hizo de esto una sola palabra UKIYO que vino a sugerir aquel mundo feliz y flotante de la prosperidad urbana. Un mundo de comerciantes y gentes prósperas cuyos gustos se reflejan en el arte Ukiyo-e, de las imágenes del mundo flotante. (fuente: Minneapolis Institute of Arts: explore the collection. ukiyo-e)

Búsqueda sobre 'Ukiyo-e' en Searchmash, Beta de Google.
Minneapolis Institute of Arts: Video: Pictures of the Floating World
Wikipedia: Ukiyo-e, Inglés
Ukiyo-e Techniques / Davidson Art Center of 18th and 19th century Japanese Prints

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Edward Hopper en la National Gallery of Art - Washington D.C.

2007-10-17T00:30:00.007-03:00

Edward Hopper, autoretrato 1925-1930,
Whitney Museum of American Art, NY.

Jo Painting (La esposa del artista) 1936,
Whitney Museum of American Art, NY.

Para ver en silencio, click en el ícono del parlante en la barra del video

Video sobre la obra de Hopper, de la National Gallery of Art:

Video Quick Time
Film Clip - Quick Time

Room in Brooklyn, 1932

Morning Sun, 1952

Early Sunday Morning, 1930

Gas, 1940

Approaching a City, 1946

El Palacio, Acuarela, 1946

La obra de Edward Hopper (1882-1967) es considerada esencialmente norteamericana. Lo es en muchos aspectos, sin duda. Tiene Hopper el arte de captar los rasgos propios de sus motivos - y, en ese sentido, sus motivos son norteamericanos. Son muestras - desde la muy singular perspectiva del artista, de austeros paisajes urbano-industriales de Nueva York así cómo - casi por oposición - de luminosas paisajes y casas de Nueva Inglaterra. Por su misma esencialidad, cuando su motivo es mexicano, lo podemos reconocer - no sólo por el título - como en el caso de El Palacio (acuarela, 1946).

Al ir observando las acuarelas y óleos de Hopper de momentos surge la duda acerca de cómo entender esas alternancias de imágenes de luminosidad mediterránea (las casas, veleros, faros y también, en algunos casos en las escenas urbanas) y aquellas que, a veces, transparentan individuos en escenarios urbanos de espacios aparentemente vacíos, que hacen pensar en un temprano existencialismo norteamericano.

Pero probablemente esta diferencia sea sólo gradual y se asocie a dos experiencias geográficas distintas en las que el artista busca sus motivos - la campiña de Nueva Inglaterra con sus blancas casas victorianas y el paisaje urbano industrial y residencial de Nueva York poblado por hombres y mujeres que parecen vivir indiferentes a la mirada del artista (y a la nuestra), paísajes urbanos a los que el artista procura hacer llegar parte de esa luminosidad de las pinturas de Nueva Inglaterra.

Así en 'Room en Brooklyn (1932) una mujer está sentada frente a su ventana, no sabemos si mirando, reflexionando o rememorando. Las flores, al centro de la imagen, muestran delicadeza en la situación, la ventana es amplia. Al frente, observamos la construcción de color ladrillo, de una repetición de ventanas iguales que da señas sobre la época. Veinte años más tarde, en 'Morning Sun' (1952) la escena es más íntima, también la luz del sol marca un área de la imagen que esta vez incluye a la mujer y vemos por la ventana la misma construcción color ladrillo. El tono es algo más cálido y observamos el mismo minimalismo.

'Early Sunday Morning' (1930) es una de las obras claves de Hopper. En esta pintura está el juego de luces y sombras, captado temprano, como a la espera de que el sol aporte la cuota de vida a una naturaleza urbana aún vacía. Esta pintura ya muestra esa construcción de color rojo italiano y las ventanas que se repiten.

Son escenas norteamericanas en las que se traslucen aires universales de la pintura del siglo XX. Escenas que encontrarían afinidades en la obra de Magritte a pesar de la materialidad urbana que las rodea. O espacios que encontrarían afinidades en el italiano de Chirico.
Hopper que temprano en el siglo XX, entre 1906 y 1910, viaja varias veces a Europa, vive en París, conoce también Berlín y las demás capitales europeas de pre-guerra, más tarde visitará también España. A partir de la experiencia europea parece haber captado y elaborado más de lo que los comentarios por lo general aceptan creer. Es interesante analizar su obra más que nada desde el punto de vista de su arte pictórico.

'Gas' parece estar adelantada en varias décadas pero en realidad data de 1940. Es una pintura extraordinaria, que integra la bencinera en el paísaje - aún cuando ésta tiene un lugar central. En uno de los comentarios citados, se señala que esta obra marca un antecedente del arte pop.

'Approaching a City' (1946) es una pintura universal. Es un paisaje urbano industrial de la posguerra. La geometría y los colores - recuerda vagamente a de Chirico -. La soledad del paísaje, visto desde hoy, parece predecir el agotamiento de la vida industrial como la conoció gran parte de ese siglo. Podría ser Nueva York o Berlín. Los paisajes urbanos de Hopper parecen hablarnos de la extrañeza del ser humano - de la mujer en ese caso - como si se tratase de un encierro espiritual en esos paisajes urbanos.

Arte colonial de América Latina en Los Angeles County Museum of Art LACMA. (2007)

2007-09-20T21:05:00.007-04:00

(Con los años - la exposición data 2007 - los enlaces ya no corresponden - permanece aún el enlace principal - actualizado 13/08/2011)

Una exposición que nos propone tratar el tema de las artes y de las identidades en los territorios españoles y portugueses en los tres siglos de la colonia. Identidades culturales que en América indiana tiene connotación étnicas que se manifiestan en el arte colonial que encontramos en iglesias y catedrales antiguas del continente.

Junto con la fundación de las grandes ciudades llegan también artistas metropolitanos; con los años surgirán espléndidos talleres locales - como en Cuzco, y con el tiempo, el arte americano y su música - irán reflejando las influencias del arte afrícano y del Asia.

Una temática interesante para esta exposición que agrupa más de 200 obras del arte colonial. Hace un año aproximadamente el Philadelphia Museum of Art presentaba una gran exposición de arte colonial.

Fuente:Territorio e Identidad, Las Artes en América Latina 1492 - 1820, por Ilona Katzew, curadora del LACMA, Texto bilingüe Inglés Castellano, del libro de la exposición. Extractos

"Tanto españoles como portugueses fundaron grandes centros urbanos en América—especialmente las ciudades de México, Lima y Río de Janeiro—a una escala y con un orden y esplendor que a menudo superaban los de Europa. Los artistas pintaron imágenes de parajes y monumentos arquitectónicos conocidos, así como celebraciones religiosas, permitiendo que nos asomemos a la vida cotidiana de la sociedad colonial."

Atribuido a Manuel de Arellano, México, activo entre 1691-1722. Traslado de la imagen y estreno del santuario de Guadalupe, 1708.

"En el siglo XVI, varios artistas europeos emigraron a Latino-américa para decorar las iglesias recién construidas y satisfacer diversos encargos artísticos. Algunos de estos artistas y sus familias formaron talleres que se mantuvieron durante varias generaciones. En el siglo XVII, empezó a predominar una nueva generación de artistas que ya habían nacido en el continente americano. Con la cristalización de un sentimiento de identidad criolla (los criollos eran los hijos de españoles nacidos en América), los pintores desarrollaron sus propios estilos pictóricos e introdujeron nuevos temas que reflejaban los cambios culturales de la época, así como los deseos de sus mecenas. El siglo XVIII marcó el comienzo de un periodo de esplendor artístico, con la consolidación de escuelas locales de pintura, la invención de nuevas iconografías y el surgimiento de academias en las que se agrupaban los artistas."[Territorio e Identidad]

Georg Baselitz. El neoexpresionismo alemán en la Royal Academy of Art de Londres.

2007-09-15T22:18:00.001-04:00

Georg Baselitz no es sólo el más conocido de los artistas alemanes contemporáneos, es también quien logra literalmente poner el mundo de cabeza - como en sus pinturas-.

De origen sajón, estudió en el berlinés Hochschule der bildenden Künste de los años cincuenta. Su arte ya causaba impacto y cierto escándalo durante la década de los sesenta; en 1965 obtiene sin embargo el Premio Villa -Romana y en 1969 pintó "Der Wald auf dem Kopf" - (El bosque de cabeza) con que inicia sus motivos puestos de cabeza, una forma sin duda excepcional de rebelarse a la tradición artística.

No obstante el marcado individualismo de esta generación de artistas alemanes - ellos forman parte de una generación que reacciona a las tendencias internacionales - entre ellas al minimalismo y al modernismo - y que distingue el arte alemán no sólo de otras corrientes europeas sino también aquellas vanguardistas de Estados Unidos.

Como otros de su generación Baselitz enfrenta los fantasmas del facismo - una lucha que marca a toda la cultura y arte alemán de postguerra. Fueron también llamados los artistas "salvajes" y su llamado neorealismo no explica bien a Baselitz. Los comentarios lo asocian a Munch, por ejemplo.

Quizá lo que más me llamó la atención de las pinturas de Baselitz, cuando tuve la oportunidad de ver sus grandes pinturas en las modernas y sobrias salas de la Galería Nacional en Bonn, fueron esas sillas de cabeza. También aquella pintura enorme (o una muy similar) de cabezas y cuerpos de mujeres puestos de cabeza en que las caras a veces están cubiertas por una red negra. En esa pintura vemos también un gallo negro y un cerdo rosado en rejas amarillas. Dicen los textos que la mujer rubia de ojos azules representa el prototipo del artista según Baselitz. En la esquina aparece una silla roja (de cabeza) que simboliza la ausencia.[Das Malerbild, 1987-88, en 'Refigured Painting', pág. 88-89]

Por eso he tomado esas dos primeras imágenes desde las páginas del libro 'Refigured Painting' The German Image 1960 - 88. Páginas 80-81. Prestel Verlag, Munich. (Libro asociado a la exposición de arte alemán realizada por la Fundación Guggenheim a fines de 1988 y 1889, en Ohio, N.Y. y Frankfurt).

La página del 'virtuelles Museum Moderne NRW' (Renania del Norte Westfalia) dedicada a Georg Baselitz presenta una interesante versión del tema de las sillas. Representa la silla vacía la ausencia de alguien. Una idea que, con variaciones, está probablemente en muchas culturas. El autor de esas líneas asocia las sillas de Baselitz a las sillas de Van Gogh y con ese enlace por tanto a Paul Gauguin.

Vincent Van Gogh efectivamente pintó en 1988 Silla de Van Gogh y 'Silla de Gauguin.'
Sillas sobre las que hay objetos: en Silla de Gauguin, Van Gogh pintó una palmatoria con vela encendida y libros. En Baselitz también encontramos objetos sobre las sillas o bajo las sillas, según el caso.

En el Molino en llamas Die Muhle brennt - la pintura de la silla roja - con la silla hay efectivamente un florero boca abajo, vacío. En Beladener Stuhl - silla cargada - (aquella de la silla blanca) la silla está 'de pie' pero el jarro con flores boca abajo.

Una obra interesante. Y probablemente esta exposición será una extraordinaria oportunidad para saber algo más acerca de la obra de Baselitz.

"Ein Gegenstand auf dem Kopf gemalt, ist tauglich für die Malerei, weil er als Gegenstand untauglich ist." (Baselitz)

Enlaces:

La Opinión Murcia, 14/9/2007 :Baselitz reconoce que su próxima exposición puede resultar provocadora

El Comercio, Lima, 15/9/2007 : El provocador Baselitz llega a Londres

El País, 04/9/2007 : Grandes maestros para la 'rentrée'

Entrevista | The Art Newspaper | Cristina Carrillo de A. , 15/9/2007 : Georg Baselitz: “I am no longer a beginner, maybe my art is coming to its end”

Telegraph , 15/9/2007 : Georg Baselitz:'Art is visceral and vulgar - it's an eruption'

Entrevista | Der Tages Spiegel, 15/9/2007 : „Berlin bewegt sich“ Georg Baselitz über seine ehemalige Heimatstadt und wie ihre Kunstszene gefördert werden könnte

Wackelstuhl, 1987 Comentario del virtuelles museum moderne nrw

Wikipedia [Neoexpresionismo /Baselitz ES] [Baselitz DE] [Baselitz EN]

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Búsqueda 'Baselitz' en Universal Google News : ES EN DE

'Baselitz' en la blogosfera

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YouTube - Escher - El Arte de lo imposible.

2007-09-11T19:29:00.001-04:00

El inconfundible Escher escribió 'Todos mis trabajos son juegos. Juegos serios'.

[Mini-biografía de M.C. Escher, microsiervos, 17/6/2006, Extracto]

"Maurits Cornelis Escher (1898-1972). más conocido por sus iniciales como M.C. Escher, es uno de los más grandes artistas gráficos del siglo XX. Tal vez la mejor definición que se ha dado de él sea la de «uno de los más reconocibles y admirados por el gran público». Esto viene a decir que muchas personas admiran y encuentran curiosos, intrigantes y bonitos sus trabajos, aunque al principio no sepan muy bien de quién son ni conozcan realmente al autor o la época en que fueron creados.

Sus más populares obras, figuras imposibles, fondos reticulados con diversos patrones y mundos imaginarios han sido reproducidas hasta la saciedad en portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos. Escher es, en cierto modo, uno de los artistas más referenciados en la «cultura popular» del siglo XX."[microsiervos / blog]

Enlace::

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Wifredo Lam (2) La Jungla.

2007-08-26T21:11:00.000-04:00

De regreso a Cuba a comienzos de la década de los cuarenta del siglo XX, luego de vivir 18 años en Francia, Lam conjuga en esta tela (Gouache)las tradiciones de Cuba con aquellas de la pintura de París de los años en que Lam aprendía de Pablo Picasso.

Dicen que esta obra inmortalizó a Lam.

En La Jungla, la figura de la 'mujer caballo' refleja - según la reseña del MOMA - el diálogo confrontacional de las propias ideas de Lam con la tradición europea.
En el misticismo afro-cubano - ésta representa la relación del espíritu con la naturaleza.
En la tela aparecen también las máscaras - uno de los temas de la influencia del arte africano asociado a la identidad.

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Wifredo Lam

2007-08-20T16:34:00.001-04:00

(vídeo ha sido removido de YouTube)

Enlaces:: Wifredo Lam según la Wikipedia

Biography of Wifredo Lam, en Guggenheim Museum, EN.

Notas personales [borrador] sobre Roberto Matta.

2007-08-12T22:07:00.001-04:00

Esta pintura de Roberto Matta me ha llamado la atención por una relación muy simple. Algo en ella me recuerda a aquella de Paul Gauguin 'De donde venimos...'. Una cierta conexión de colores, figuras y probablemente también de significado.

A mediado de los setenta tuve unos posters con dibujos de Matta. Publicados por el diario del PC italiano L'Unitá - a doble página para la Bienal de Venecia - eran posters de la solidaridad con Chile, en los años de la campaña en el Tribunal Russel.

La segunda vez fue - también en los años de estudiante y de exilio berlinés - un buen domingo, recorriendo las salas de la Nueva Galería Nacional (Berlín, 1965-68, por Ludwig Mies van der Rohe) - pude observar un óleo de Roberto Matta. Alguién me dijo que era - probablemente - la única pintura de un latinoamericano en esa notable colección de arte contemporáneo.

Es sólo más tarde que he visto la obra dedicada a América. Quizá la más conocida sea aquella que está en el palacio de gobierno, La Moneda, de tonos celestes lapizlazuli.

Matta salió de Chile muy joven, a los 21 años, en 1932. Vivió en París hasta que la guerra y la invasión de Francia lo llevaron por unos años a Nueva York; una vez finalizada la guerra, regresó a Francia. Su vida se enlaza allí con la élite artística europea entre encuentros y desencuentros con los surrealistas. Dicen, que el buscó una relación entre el arte y la ciencia. Hay también una búsqueda filosófica y de identidad - así por ejemplo en El Nacimiento de América.

Estuvo en Chile a comienzo de los setenta, cuando gobernaba Salvador Allende. Y luego el año 2000 - con una exposición. Vivió los últimos años en Civitavecchia, Italia.

Enlaces:

Nuestro cl., noviembre 2003 : Cronología biográfica de Roberto Matta

Artículo 'Roberto Matta' en Wikipedia.

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Camille Pissarro.

2007-07-10T03:34:00.001-04:00

Post en elaboración. [borrador]

Autoretrato

Durante muchos años la persona de Camille Pissarro tuvo algo enigmático para mí. Identificado como artista francés - su nombre me llamaba la atención.

Rebeca Perli escribe - a propósito de los 177 años del nacimiento del artista- un breve e interesante artículo titulado "Pissarro y Venezuela" [El Universal, Caracas]

[Extracto]
"Hoy se cumplen 177 años del nacimiento de Camille Pissarro, pionero del impresionismo y maestro de maestros.

Nació en la isla de St. Thomas, en el seno de una familia judía y, a los 22 años viajó a Venezuela donde pasó una larga temporada durante la cual se impregnó de la luminosidad del paisaje tropical tanto de Caracas como del litoral. La influencia de esta experiencia se reflejó en sus cuadros de escenas de la vida cotidiana y del paisaje rural que lo circundó. Las quebradas de Catuche y Anauco, las escenas del mercado de la Plaza Mayor, los paisajes de La Guaira, la esquina de Doña Romualda, el baile de carnaval, los techos rojos, la Candelaria, La Pastora, Galipán, la pulpería de Pariata, quedaron perpetuados en sus dibujos en tinta china y en acuarelas que se convirtieron, además de joyas artísticas, en una fiel evocación de aquella Caracas que le brindó amable acogida. En palabras de Alfredo Boulton, "Por Pissarro conocimos cómo era la fisonomía de La Guaira y sabemos dónde andaban los veleros". "

Saint Thomas es una isla danesa de las Antillas; allí - leo en la Wikipedia (fr.) sus padres tenían una empresa de quincallería -. Nacer allí le dió la nacionalidad danesa que guardó toda su vida. Su padre era de origen portugués, nacido en Burdeos, de nacionalidad francesa.

A los doce años, en 1841, Camille Pissarro viaja a estudiar a Francia. Regresa a su isla natal en 1847 donde durante cinco años trabajó en la empresa familiar.

En 1852 parte para Caracas donde dibuja y pinta hasta 1854. Regresa a St. Thomas por un año para luego partir para Francia en 1855, para ya no regresar a América.

Durante esa segunda mitad del siglo XIX francés Camille Pissarro pinta. Hoy es considerado uno de los padres del impresionismo.

Avenue de l'Opera, 1898, Óleo en canvas, 73x92 cm, Musée des Beaux Arts, Reims.

Ver: Fritz y Anton Melbye (daneses)

Claude Monet y Camille Pissarro coincidieron en Londres, allí conocieron a Durand-Ruel que se convirtió en el marchante oficial.

Durante la Guerra Franco-prusiana (1870-71) vuelve a Inglaterra, estudia arte inglés y en especial los paisajes de William Turner. [Camille Pissarro, Wikipedia ES]

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Arte alemán contemporáneo | A propósito de las pinturas y esculturas de Anselm Kiefer en el Grand Palais.

2007-06-03T15:08:00.004-04:00

Viaje al fondo de la noche [Tributo a L.F.Celine]
Exposición "Sternenfall" [Falling Stars] [Chute d'étoiles] [Lluvia de Estrellas]
en Monumenta 2007 Grand Palais.

Presentación de diapositivas de la exposición en el Grand Palais, por el New York Times.
Escuchar el análisis de Danièle Cohn (del Instituto de Altos Estudios EHESS, París) en video, [en francés] aquí.
EFE / Yahoo noticias : Anselm Kiefer llena el Grand Palais de París con sus propuestas descomunales.

De Anselm Kiefer ya me había llamado la atención la pintura "Wege der Weltweissheit. Die Hermanns-Schlacht", en blanco y negro, con apariencia de grabado, en el que aparecen retratos de personajes - los Hermanns - de la historia alemana.

Afortunadamente, el New York Times hace una presentación de la exposición "Sternenfall" en el Gran Palais, en el marco de Monumenta 2007 - un evento anual que se propone abrir la nave central a artistas contemporáneos.

Anselm Kiefer es, sin duda, un contemporáneo. Forma parte de la generación de artistas pintores y escultores alemanes que crecieron en la postguerra, nació en 1945. Toda una generación de un nuevo expresionismo (pienso por ejemplo en Baselitz)cuyo gran tema, explícito o subyacente, es la confrontación con los horrores del facismo hitleriano y los desafíos que ello plantea a la cultura de la Alemania contemporánea.

La serie (de la imagen, arriba) lleva el título de la novela de Celine "Viaje al fondo de noche". Celine es sin embargo uno de los autores franceses cuyo acercamiento al facismo lo convirtió en un personaje oscuro de la literatura francesa. Kiefer -que estudió francés y vive en Francia - es entonces un buen conocedor de la literatura francesa. La pintura representa barcos - un motivo mítico asociado al viaje de iniciación. Utiliza plomo para sus pinturas, ese resabio de la alquimia - en la que el plomo se convierte en oro.

Danièle Cohn menciona en el video algunas claves: habla de monumentalidad (grandeur), de lo sublime así como también de una intranquilidad que produce la obra de Kiefer. También de la relación con los materiales y con el objeto material de la obra. Por lo general, la pintura alemana contemporánea transmite esa intranquilidad.

En la obra de Anselm Kiefer veo más bien paisajes heridos por la guerra - esas construcciones precarias de la post-guerra (como el edificio de contenedores en la exposición)y esas salas monumentales(en cuya paredes interiores están las pinturas)evocan bunkers o esos grandes palacios de la antiguedad mesopotámica, como los que se pueden ver en los museos alemanes.

Leo en un comentario a Milchstrasse [Vía Lactea](presentada abajo) que Kiefer enfrenta directamente los temas de la postguerra. Sí que lo hace. Toda la pintura alemana de postguerra es tan interesante como también difícil de aproximar.

El video documenta una exposición de la obra de Anselm Kiefer en el tema de la mujer en la mitología clásica y en la historia alemana. El artista comenta los motivos, en parte en francés y en alemán (estudió algunos años derecho y francés antes de arte con Joseph Beuys). En parte, las imágenes me hacen pensar en aquellas de Tarkowsky.
La exposición fue presentada en enero del año 2005 en la Villa Medici, Roma, y las obras fueron realizadas para la Academia Francesa de Roma. [Fuente de texto: leyenda del video en Youtube]

De la excelente presentación que hace de su obra el Guggenheim de Bilbao, cito:

"Kiefer también ahonda en la identidad y la experiencia de la mujer en dos períodos históricos distintos a través de sendos grupos de obras. Mujeres de la Revolución (1992) se inspira en el libro de título homónimo de Jules Michelet (1798–1874) e incluye camas de plomo con fotografías y textos garabateados en la pared que aluden a las figuras femeninas más importantes de la Revolución Francesa. En Mujeres de la Antigüedad (2000–04), maniquíes sin cabeza, ataviados con vestidos de crinolina blanca, representan a personajes mitológicos e históricos de la antigüedad. Algunas de estas mujeres fueron heroinas, otras malvadas, pero todas eran de fortaleza y determinación notables. Kiefer representa también a personajes históricos como Berenice, una princesa egipcia del siglo III a.C., cuyo pelo, objeto de una leyenda, se convirtió en una constelación."

Die Milchstrasse - La Vía láctea

Enlaces:

Anselm Kiefer, en Google

Presentación interactiva Anselm Kiefer

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The Red Wheelbarrow by William Carlos Williams

2007-05-29T16:17:00.000-04:00

so much depends
upon

a red wheel
barrow

glazed with rain
water

beside the white
chickens.

One of my favourite poems - no frills, the beauty is found in the simplicity of the poem and the object it describes so clearly.

A post by Ulrike Durán, originally in kikasbloggery

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Cézanne | Acuarela | Naturaleza muerta con Melón verde.

2007-05-27T04:16:00.001-04:00

Las acuarelas tienen el atractivo de la transparencia del color que deja pasar la luz y sin duda ésta sí es una acuarela! Están allí los colores de Cézanne (1839 - 1906).

Dice la Wikipedia que mientras vivió, "Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento". Si bien dice también que probablemente sea él que ha ejercido la influencia más profunda en el arte del siglo XX.

Naturaleza muerta con melón verde es la acuarela (1902-6) más importante - y la más cara en manos privadas - de Paul Cézanne.

Vendida hace unos 30 años por 333 mil Libras Esterlinas, en 1989 ya costaba 2,56 millones de Libras Esterlinas. Su precio actual aproximado es de US$ 14 a US$ 18 millones. (Sotheby's). [ver historia de sus ventas: The Economist]

Es, cómo dice el artículo - un trabajo de una gran virtuosidad - si se piensa que en acuarela una vez que se pone el color en el papel - ya no se puede cambiar.

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Claude Monet | Nemúfares, en el MOMA.

2007-05-01T21:43:00.006-04:00

Claude Monet. Nemúfares |Water Lilies| Nymphéas| Seerosen| c. 1920.
Óleo en tela, tríptico, cada sección 200 x 425 cm.
The Museum of Modern Art, New York. Mrs. Simon Guggenheim Fund.

MoMA Multimedia - Claude Monet Water Lilies ca. 1920

El pintor en su taller

En abril de 1883, Claude Monet empieza a vivir en la casa de Giverny [Normandía]. Allí compró el sitio vecino por el que originalmente pasaba una línea de tren y para el que - luego de muchas gestiones - obtuvo autorización para realizar los cambios deseados.
En 1893 empieza a construir el jardín con la lagunilla y el puente verde japonés. Allí hará plantar los nemúfares. Y siguiendo su práctica de pintar en el exterior, utilizando los cambios de luz para iniciar variaciones del mismo tema, aplica su concepto del trabajo serial a estas grandes telas - pensadas originalmente en tanto arte decorativo.

Una breve cronología ayuda a situar esto:

1918
11 de Noviembre : Armisticio (fin de la Gran Guerra)
1919
No obstante su visión se deteriora cada vez más, teme Monet que una operación lo deje ciego.
1920

Enero Clémanceau pierde las presidenciales.

15 de Octubre Se declara publicamente la intención de Monet de donar al Estado 12 grandes telas de Nemúfares, para lo cual será construido un pavellón especial en el Hotel Biron, hoy Museo Rodín.

Monet rechaza su nominación al prestigiso Instituto de Francia.

1921

El Estado francés compra la tela Mujeres en el Jardín por 200 mil Francos.

El Estado niega el financiamiento para la construcción del pavellón; ofrece La Orangerie para las grandes telas de los nemúfares.

1923 Operaciones a la vista.

1924
Enero: Gran retrospectiva de su obra en la Galería Georges Petit.

Febrero: Durand-Ruel presenta las telas de los nemúfares (Water Lilies) en Nueva York.
1925

Monet atraza la entrega de los grandes cuadros al Estado, para intentar - ahora con ayuda de lentes - terminar las grandes pinturas de manera satisfactoria.

1926
Muere Claude Monet a los 86 años - lo acompaña su amigo Clémanceau, en la casa de Giverny.

1927 Mayo Inauguración de las grandes pinturas de los nemúfares en La Orangerie.
[Fuente: Seerosen, Charles F.Stuckey, ed. por Köneman, 1988 1ed. En.;1994, ed.Al, Bonn.]

El tríptico expuesto arriba data de 1920.
Permaneció en el taller de Giberny hasta 1947, fecha en que el hijo de Monet la vende. La pintura fue dañada durante la Segunda Guerra Mundial, por vidrio y otras substancias.

Dice el texto del MOMA que el tríptico estaba en el estudio de Monet a la muerte del pintor y que allí permaneció al cuidado de Blanche Moschedé, hija adoptiva del pintor. A la muerte de ella, la obra fue vendida por Michel Monet - hijo del pintor - a la comerciante de arte Katia Granoff, quien a su vez la vendió al MOMA. Las pinturas fueron enviadas a Nueva York en diciembre de 1958. Su estado era frágil, y peligraban caer pulverizadas. Allí se procedió a su restauración. La foto de la exposición data de 1997 cuando las pinturas ya están restauradas y es posible observar la intensidad de los colores. [Traducción a partir de extracto]

Fotos de L'Orangerie [Galenfrysinger.com]

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Juan Mauricio Rugendas en el Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago.

2007-04-23T22:27:00.002-04:00

Fuente: página Web del MNBA

Escribió Tomás Lago, en "Rugendas, pintor romántico de Chile" (Ed. Universitaria,1998) que:

Desde su regreso a Europa, [Rugendas] no había hecho más que pensar en volver a América, preparándose día a día para desarrollar una vasta labor. La experiencia del primer viaje le había enseñado a darse cuenta en detalle de lo que faltaba, como igualmente de los que sobraba, lejos de Alemania. Se había proveído, pues, de materiales en abundancia para realizar un trabajo continuado durante un largo tiempo: caballetes, portafolios, tableros, telas, papeles, lápices, colores, tintas, ocupaban lo más preciado de su equipaje. Pero traía todavía una novedad de excepcional importancia. En París había comprado una cámara fotográfica Daguerre, tipo Giroux - invento inconcebible de la ciencia moderna -, mediante la cual pensaba perfeccionar el proceso de su labor, sobre todo en lo referente a fidelidad documental.
Unas cartas de Humboldt le levaron las nuevas de que el Rey de Prusia había adquirido cuatro cuadros suyos, en buenas monedas de oro sellado, y con esta sumo pudo por fin embarcar.
En la primavera de 1831 salió de Burdeos con rumbo a Haití, pasando luego a México, país en el cual permaneció tres años muy activos."

Desde México, Juan Mauricio Rugendas se embarcó para Valparaíso.

Permaneció en Chile desde 1834 hasta 1844. Y como dice el autor, quien hoy busque entender la formación de la identidad nacional de Chile, encontrará en la obra de Rugendas valiosos aportes.

Señala la página Web del MNBA de Chile que,

La exposición sobre el artista viajero y naturalista, iniciativa de las Colecciones de Artes y Museos de Augsburgo y el Consulado de Chile en Münich, ha sido organizada en conjunto por el Museo Nacional de Bellas Artes y el apoyo de la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, DIRAC.

La selección de obras comprende óleos y dibujos de viajes del autor por Brasil, México y Chile y refleja, entre otros temas, la relación de Juan Mauricio Rugendas con el Puerto de Valparaíso y manifestaciones nacionales como la cueca. También se presentan temas asociados a su sistema de trabajo, tales como vistas de taller y el artista frente a su modelo.

La muestra incluye dibujos realizados en Londres y París, nunca antes expuestos en Chile, que dan cuenta de la faceta viajera de Rugendas desde antes de su partida a América.

Rugendas y Chile se presentará también en Ausburgo, ciudad natal del artista, entre marzo y mayo de 2008, en conmemoración de los 150 años de su muerte.

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Francisco Toledo. "Chivo" | Arte de México, el artista de Oaxaca.

2007-04-18T03:22:00.003-04:00

"Chivo" me impresionó desde un primer momento - por la intensidad, por la dinámica de las líneas así como también por el colorido de la obra. El arte tiene sus misterios y probablemente me tomaría mucho estudio acercar una interpretación más desarrollada de la obra de arte. Agradeceré todo comentario que enriquezca el entendimiento de esta obra

Francisco Toledo, nació en 1940 en la region de Oaxaca, México. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca y el Centro Superior de Artes Aplicadas del Instituto de Bellas Artes de Mexico. En 1960 se mudó a Paris desde donde viajó por Europa. Regresó a Mexico en 1965 y empezó a promover y proteger el arte y la artesania de Oaxaca.

Francisco Toledo es - según la Wikipedia - el artista plástico contemporáneo más importante de México.

El arte de Toledo esta impregnado de su herencia mexicana de historia y mitologia.

"El arte de Toledo es una mezcla sin costuras de cultura global y local y arte elevado. Imágenes oníricas de su infancia se fusionan con la simbología pre-Colombiana y referencias innumerables a las obras de Dubuffet, Miro, Tapies, Klee, Tamayo, Blake, Goya, Ensor y Dürer, entre otros artistas, y también a lo escrito por personajes como Kafka y Borges. Hay un montón de serpientes y tortugas, conejos y coyotes, murciélagos y sapos, grillos y perros, pero también de personajes humanos de la historia mexicana, moviendose desde una obra a la otra en un bestiario que es parte códice antiguo, parte graffiti moderno. "
Christian Viveros-Faune

Pero además es interesante observar que la información sobre el artista señala que "...durante más que veinte años Toledo se ha preocupado por el bienestar de la comunidad de Oaxaca y ha dedicado mucho de su fortuna a este propósito. Es un incansable promovedor, patrocinador y diseminador de los valores culturales de su estado nativo, convirtiendo su ciudad principal en un centro dinámico para el arte visual y la literatura. Francisco Toledo salió también en defensa de los derechos de los ciudadanos de su ciudad, con ocasión de las represalias policiales hacia los movimientos sociales y protestas del año 2006 en Oaxaca."

Fuente del Texto: Francisco Toledo, en The Right Livelihood Award.

Presencia de Zurbarán en América Latina

2007-04-07T20:30:00.001-04:00

San Bartolomé c. 1637-38. 187 x 102 cms. Convento de San Francisco, Lima.

Al ser nombrado Pintor del Rey Zurbarán (1598–1664)logra las condiciones para difundir su arte en las colonias de América. Tenía parientes en Lima y efectivamente numerosas pinturas suyas llegaron a los territorios de ultramar. Hoy, estas forman el tesoro artístico de países latinoamericanos, entre ellos: Guatemala, México, Bogotá y sobre todo en Lima. Sus frailes, arcángeles y santos pueden ser vistos en la galería virtual de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

La pintura de San Bartolomé me llama la atención por lo abstracto de la línea y por su colorido.

El estudio sobre la pintura de Zurbarán en América - de la Biblioteca virtual mencionada - detalla:

Los documentos dados a conocer hasta la fecha permiten colegir que el maestro hizo al menos siete envíos importantes al Nuevo Mundo. Cuatro dirigidos a Lima, uno a Buenos Aires y dos indeterminados. Desde 1638 realizó esfuerzos para cobrar deudas en la Ciudad de los Reyes (Lima). Se ignora a quién estuvieron consignadas y cuántas fueron las pinturas vendidas. Un año después se sabe que habría de recibir un monto al retornar las galeras de América. En la década siguiente (1647) estableció un importante contrato con el monasterio de la Encarnación de la capital del Virreinato pe ruano ejecutar diez escenas de la Vida de la Virgen y veinticuatro |Santas de cuerpo entero. En septiembre del mismo año otorgó poder para cobrar en Lima del Capitán Andrés Martínez lo que se le adeudaba por la venta de una serie de temática curiosa: "doce lienzos de pinturas de Sésares (sic) romanos a caballo". Y todavía en mayo obtuvo mil pesos por obras vendidas en la misma ciudad. Otro documento se refiere al envío a Buenos Aires, en febrero de 1649, de 54 lienzos que abarcaban santas mártires, patriarcas, reyes y hombres ilustres y algunos paisajes flamencos | 6 . El último dato es de 1659, cuando Zurbarán ofrece en garantía de un préstamo veinte lienzos destinados a América. Entre ellos figuran dos |Huidas a Egipto, advocaciones de la |Virgen, patriarcas y una |Piedad | 7 .

Para mí, esta es una de las pinturas más interesantes de Zurbarán - se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Francisco De Zurbarán, San Hugo en el refectorio de los Cartujos , c. 1655. Óleo s/tela, 262 x 307 cm. Museo de Bellas Artes, Sevilla.

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Enlaces:

Sitio Web : Presencia de Zurbarán en América Latina, Biblioteca Luis Ángel Arango, Banco de la República, Bogotá.

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Las galaxias de Rufino Tamayo. (2)

2007-04-06T00:12:00.003-04:00

Tamayo decía que sus colores y raíces eran mexicanas, pero que su concepto era universal. Ver: Los Rasgos Plásticos de Rufino Tamayo, por Luis Ignacio Sáinz
Las suyas son pinturas que surgen de la fascinación por cielos y galaxias, así como por mares y océanos y por el infinito que alimenta nuestras almas en esos momentos.

"El mundo existe por obra de la imaginación que, al transfigurarlo, nos lo revela."
Octavio Paz en Tamayo. Geometría y transfiguración.

Heavenly Bodies 1946, óleo con arena en tela, 86,3x105cm

El hombre ante el infinito, 1950

La Gran Galaxia, Óleo, 1978

"El arte de Tamayo - escribió Paul Westheim (1956)- es un arte dramático... (una) Visión plástica cuyo contenido, forma y color, son expresión de la angustia vital, del estremecimiento ante el misterio de la vida. La incesante, desesperada pregunta por el sentido de ser confiere al arte de Tamayo su dimensión en profundidad espiritual. Situado a inconmesurable distancia de la naturaleza muerta, cargado de un hondo saber de los límites de la vida y de su problematismo, su arte es, todo él, una vibrante afirmación de esta vida."
Paul Westheim, Rufino Tamayo: una investigación estética, Artes de México, num.2 1956.

Fuente de textos.

Casa de Luciérnagas. Una antología de poetas latinoamericanas.

2007-04-02T15:35:00.001-04:00

Casa de luciérnagas. Antología de poetas hispanoamericanas de hoy es el título del libro editado por Mario Campaña en el que reúne poemas de 34 poetas latinoamericanas. Se trata de poetas nacidas entre 1940 y 1970, una generación que - así lo señala la exaustiva reseña publicada en el diario español El País - ha sido opacada por la sombra de la generación anterior de grandes poetas latinoamericanas.

Entre las poetas que reúne la antología están: Ana Becciú (Ar), Jeannette Lozano Clariond(Mx), Wendy Guerra (Cu), Carmen Ollé (Pe), Carmen Bolullosa (Mx), Irene Gruss (Ar), Reina María Rodríguez (Cu), Gloria Gervitz (Mx), María Fernanda Espinoza (Ec) y Elvira Hernández (Ch).

"Vengo del País del Reloj de Flores, de Tres y Cuatro
Alamos. Vengo de vuelta del "Fausto" y he buscado todos
estos años a Juan Alacalufe Desaparecido."
Elvira Hernández (Carta de Viaje, 1989)

“Aquí estoy, pienso y no vuelo.”
Miro la ciudad –mi ciudad
y en ella me veo
y veo a otros como yo
miran los cerros
para olvidar la tristeza
que causa no ser jinete
de estas altas montañas
para mirar la noche
con alas, con azul,
con un nuevo lenguaje
que aprenda a decir
perfumada, a la luz del alba.
De “En los negros labios encantados”. Blanca Wiethüchter.

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Rufino Tamayo (I). Hombre mirando pájaros.

2007-03-31T21:16:00.002-04:00

1950,81x100 cm.

Rufino Tamayo tuvo una larga vida (Oaxaca, México, 1899 - 1991) y es un ejercicio apasionante recorrer sus pinturas y observar las variaciones que introduce a sus principales temas. No es fácil decidir con cual tela empezar. "Hombre mirando pájaros" me ha impresionado desde el primer momento, por su color y textura de fondo (óleo y arena) así como por la percepción de un espacio circular animado por el aletear de los pájaros y por la idea de que el hombre no sólo los mira sino además ya vuela con ellos.

Dice un texto del sitio Web del Museo Tamayo, que el artista -

"... fue gran inovador tanto por su colorido como por sus matices en superficie y textura. Como artista figurativo, Tamayo creó una síntesis única del modernismo europeo y las artes antiguas mexicanas. Sus temas incluyen la naturaleza transitoria de la civilización y el anhelo del hombre por lo eterno."

(ese anhelo del hombre por lo eterno es efectivamente un tema interesante en la obra de Tamayo)

"Como pocos artistas mexicanos, Tamayo logró realizar una síntesis de raíces prehispánicas y tradiciones populares e incorporarlas al legado que dejaron las vanguardias internacionales del siglo XX." Tamayo fue contemporáneo de Frida Kahlo, - fueron compañeros de estudio en la escuela de arte. Y sería interesante ver una comparación.

Continua el texto del museo:

"Tamayo recurrió a dos elementos que México posee en abundancia para completar su poética: la luz y el color. Con estos elementos pudo conformar una obra que se encuentra dentro de las más importantes en el panorama del arte universal. "

Picasso "Portrait de Françoise à la Résille".

2007-03-24T17:45:00.001-04:00

El artículo de la revista The Economist comenta que hay algo particularmente especial en estas tres aguatintas en las que Picasso retrata a Françoise Gilot, quien que fue la compañía y musa del pintor durante unos 9 años.

Fueron realizadas en 1953, en los últimos meses de la relación y en ella Picasso retrata la transformación de Françoise, de su rostro, desde un aíre juvenil a aquel rostro marcado por las huellas de la vida y del dolor, de esos años con Picasso en Vallauris.

La información dice que fueron hechas nueve impresiones del tercer retrato, pero que hay sólo tres del primero.
El conjunto proviene de la colección de Marina Picasso, nieta del pintor, y puede ser la única serie que contenga los tres retratos.

El "Portrait de Françoise à la Resille" es el Lote 358 en la venta en Londres, en Christie's, Old Master, 19th Century, Modern and Contemporary Prints, el 28 de Marzo de 2007 (valor estimado £100,000-150,000).

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Paul Gauguin "¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?"

2007-03-17T15:15:00.001-04:00

Museum of Fine Art, Boston.
1897–98, Tahiti.
Paul Gauguin, 1848–1903
Imagen: 139.1 x 374.6 cm
Enmarcada: 171.5 x 406.4 x 8.9 cm
Óleo.
Tompkins Collection—Arthur Gordon Tompkins Fund

Paul Gauguin dejó Francia para irse a Tahiti en 1891, a la búsqueda de una sociedad más elemental y más simple que su propio país natal. La tela data de 1897, es decir Gauguin llevaba seis años en Tahiti. Realizada en un período de gran crisis personal - el pintor la consideró su obra maestra, la suma de sus ideas.
Gauguin sugiere verla de derecha a izquierda, empezando por la criatura que duerme. Y describe las figuras que reflexionan acerca de las interrogantes expuestas en el título de la obra. El ídolo azul, por ejemplo, representa "el más allá".
[Fuente del texto: MAF Boston]

Charles Estienne, en un estudio biográfico y crítico [Gaugin, 1953, Ed. d'Art Albert Shira, Genève, Suisse] señala - apoyado en las cartas del pintor - aspectos de esta obra. Cuando pintó esta tela Gauguin estaba en crisis, desesperado. La pintó - como dice en una carta - "d'un seul jet" entre noviembre y diciembre de 1897. Expuesta en París en 1898, Estienne indica que su mensaje fue mal comprendido, a excepción - por ejemplo - de Odilon Redon.

En ese contexto, Gauguin escribe sobre el secreto del arte:

"Très facile quand on regarde la nature, très dificile quand on veut s'exprimer un peu mistérieusement en paraboles, trouver des formes."

[Muy fácil cuando se mira la naturaleza, muy difícil cuando quieres expresarte un poco misteriosamente en parábolas, encontrar formas.]

Comenta Estienne que la obra "De donde venimos? no es ni más ni menos que uno de esos grandes conjuntos, cumbres históricas del arte de la pintura, en la que el artista quizo hacer un espejo o una interpretación del mundo - un speculum mundi cómo lo llamaban en el medioevo. (p.96-97).

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Raíces. Un autoretrato de Frida Kahlo.

2007-03-11T01:26:00.001-04:00

Raíces, un óleo sobre metal - el único autoretrato de Frida en que aparece de cuerpo entero - ha sido vendida en US$ 5,6 millones en Sotheby's, NY.

Realizado en 1943, a los 36 años, revela una identidad con la naturaleza, con la madre tierra. Algunos comentarios señalan que en esos años Frida Kahlo se pensaba como Pacha Mama. Otros señalan que esta pintura ya señala la idea de la muerte como regeneración de la vida.
O ella simplemente imaginó - genialmente - que por sus venas corría la savia vegetal de sus plantas.

Dice el artículo del diario El País:

El cuadro, de treinta por cincuenta centímetros, muestra a la artista mexicana reclinada en un paisaje estéril y rocoso, echando al suelo raíces que salen de su torso y de las que fluye su sangre como símbolo de vida. Kahlo culminó la obra en 1943, después de casarse por segunda vez con el amor de su vida, el muralista también mexicano Diego Rivera, y simboliza su reencuentro como pareja tras varios años de separación y sufrimiento.

Para ver un breve video que muestra a Frida y Diego Rivera en el jardín de su casa azul de Coyoacán, Ciudad de México, en 1940 [hoy Museo Frida Kahlo] hacer clik aquí.

Para ver toda la extraordinaria presentación en-línea realizada por la Tate Gallery con ocación de la exposición del año 2005, hacer click en la imagen de la pintura.

Wikipedia : Frida Kahlo [Interesante artículo]

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El arte de Armando Reverón en el MOMA

2007-02-27T18:00:00.001-03:00

Paisaje 1922

Nos advierte Luis Pérez Orama, procurador para arte latinoamericano del MOMA, en su presentación de Armando Reverón [Venezuela, 1989-1954] - de que estamos frente a un artista sin comparación con lo visto hasta aquí de arte latinoamericano en el Museum of Modern Art. [Audio en castellano en la página de Introducción de la presentación Web]

El Playûn, 1929

Y no exagera; el arte de Reverón es extraordinario. Al punto de que es hoy dífícil decidir cual de los paisajes es el mejor. Ver para creer.
Comparar también con Puerto de la Guaira [1941] y con Calle de la Guaira [1942] en la exposición virtual.

Paisaje Blanco, 1940

La presentación incorpora también fotos de El Castillete e ilustra aspectos de la singularísima vida de Reverón.

Enlaces:

Museum of Modern Art MOMA : Exposición virtual Armando Reverón

NYTimes : Presentación de diapositivas | Armando Reverón

Wikipedia : Armando Reverón

Ver: Comentario de Esteban Castillo.

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Fado - Presentación - NYT

2007-02-24T05:50:00.001-03:00

Escribe Véronique Mortaigne en "El Fado" [Ed.Océano, 2003, Ed.original Portugal Fado Chant de l'âme, 1998] que éste nació "fruto del choque entre viejos y nuevos valores, del esplendor y del declive de un imperio cuyo hijo pródigo, Brasil, acababa de independizarse."

Antes de ser canción, nos dice la autora - la palabra fado, derivada de la latina fatum (destino), era "utilizada por los poetas clásicos portugueses desde el siglo XVI, empezando por Luis de Camoes (1525-1580). Expresaba entonces la idea de un mundo sin un orden aparente, sometido a los caprichos divinos, a las leyes del azar y del amor apasionado."

Tendría el fado-canción raíces en el lundum, versión profana de los rituales que los esclavos bantus del Congo y Angola llevaron a Brasil. Exportado por los marineros, difundido en los cafetines de los puertos cosmopolitas, el lundum está en el origen de la polka, la habanera y el tango.

Señala la autora que "El término fado para designar - no ya el fatum poético sino un género musical - aparece primero en Brasil, como atestigua el francés Louis Freycinet, que visitó la zona de Rio de Janeiro en 1820 y que el fado-danza de origen brasileño llegó a Lisboa en 1821 con la corte portuguesa de vuelta de su exilio. Veinte años más tarde estaba ya en las calles de Lisboa. [páginas 24-25]

Enlaces:

New York Times, Lisbon Journal, por Elaine Sciolino : A Song Form Is Updated, but Not in the Alleys of Its Origin

Wikipedia : Fado

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Video | De trompeta a trompeta | La Nación.com. ar

2007-02-24T01:29:00.001-03:00

Uni project, pencil drawn stop frame animation.
The music is by St. Germain - Rose Rouge
Fuente: YouTube stuntmonkey13
Vía: La Nación.com.ar

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Howard Hodgkin: Old Books (2006)

2007-02-16T23:21:00.002-03:00

Hace años que no veía un Hodgkin. Y de la galería de pinturas presentadas por el NYT, aquella llamada "Libros viejos" me impresiona pues en ella Hodgkin logra presentar su estilo de forma muy clara.

Howard Hodgkin es un artista británico, nacido en 1932. En 1985 obtuvo el Premio Turner. Fue nombrado Caballero en 1992. Sus trabajos han sido calificados de "semi-abstractos" (ver artículo en Wikipedia).

Hodgkin representa - a mi entender - una lograda armonización de la tradición británica con el modernismo abstracto y sus trabajos son de gran interés.

Howard Hodgkin: Paintings 1992-2007 - Art - Review - New York Times

Wikipedia: Howard Hodgkin

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Chile | El hombre con sombrero florido, de Violeta Parra (1917- 1967)

2007-02-05T14:09:00.001-03:00

El DRAE nos señala que

arpillera.
(De or. inc.; cf. fr. serpillière, arag. sarpillera).
1. f. Tejido por lo común de estopa muy basta, con que se cubren determinadas cosas para defenderlas del polvo y del agua.

Y Violeta Parra decía que

"Las cosas son simples. No sé diseñar, yo invento todo, y todo el mundo puede hacerlo. No sé dibujar y no hago dibujo alguno antes de comenzar mis tapices, sino que voy viendo, poco a poco, lo que debe ponerse. Voy llenando espacios en mis tapices...Y con mis pinturas: ellas están todas en mi cabeza, como mis canciones. Cuando siento que hay una persona sensible o que le nace un sentimiento al ver lo que hago, me quedo tranquila. Sólo hago algo en lo que pueda poner la emoción".[Fuente: Nuestro.cl]

Wikipedia : Violeta Parra

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YouTube - El Infierno de la Divina Comedia según Gustave Doré

2007-01-05T22:31:00.001-03:00

Lo que también me hace pensar en los hermosos dibujos del Boticelli sobre la Divina Comedia.

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Picasso | proceso creativo en marcha.

2007-01-05T12:56:00.001-03:00


Time lapse of Pablo Picasso painting in oils, allowing us to see his creative process at work. Vía: ecuadernos, Jlori

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Mujer española, de Alexej von Jawlensky.

2006-11-11T04:46:00.001-03:00

Alexej von Jawlensky (Torzok, 13 de marzo de 1864 – Wiesbaden, 15 de marzo de 1941) fue un pintor expresionista ruso que desarrolló su carrera en Alemania. Fue miembro el grupo El jinete azul (Der Blaue Reiter).
Von Jawlensky llegó a Alemania en 1896, a los 28 años. La influencia del arte ruso se observa en los colores utilizados. (Fuente: Wikipedia)
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Enlaces:

IHT, 10/11/2006 : Christie's and Sotheby's Impressionist and Modern art sales

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El arte de Brice Marden. (1)

2006-11-01T12:03:00.006-03:00

Brice Marden es artista de Nueva York cuyo estilo es de orden en la abstracción.
Nació en 1938 y actualmente es uno de los artistas de renombre entre los modernos - con un estilo que se puede ver en la pintura "The Propitious Garden of Plane Image" y en el "Study for the Muses".

Pero esta vez, para Todos los Santos, he seleccionado esta pintura titulada: Homage to Art 14 (Fra Angelico), 1974.

NYT, 27/10/2006 : Brice Marden. The Man Who Persevered When Painting Was Stalled. Ver:MULTIMEDIA Slide Show /
NYT, 29/10/2006 : A Subtle Sense of Place

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Mauricio Rugendas en su estudio. Valparaíso 1834.

2006-10-29T16:11:00.002-03:00

Escribió Tomás Lago en "Rugendas, Pintor romántico de Chile" (Ed. Sudamericana, Chile, 2000 ) que éste pertenece

"...a un período de la historia en que muchos espíritus ilustrados como él viajaban por la faz de la tierra recogiendo informaciones fidedignas acerca de los pueblos, la geografía física, la botánica, la zoología. Un universalismo de superficie se había derramado por todas partes. Vino a América por primera vez en 1821, poco después de que Humboldt viniera a Centroamérica, pocos antes de que Darwin se embarcara en la "Beagle" para emprender su viaje alrededor del mundo, en la misma época que María Graham, viuda del capitán de la "Doris", fragata de su Majestad Británica - muerto a bordo de su barco al doblar el Cabo de Hornos - , llegaba a Chile y el famoso editor Ackerman publicaba con lujo desusado Picturesque Illustrations of Buenos Aires and Montevideo con aguatintas de Emeric Essex Vidal. Una legión de sabios, artistas, aventureros, militares, políticos, mercaderes, curiosos, iba y venía por toda América estudiando los fenómenos naturales, mirando lo exótico, buscando aventuras, examinando las posibilidades de expansión económica que abría la independencia de las nuevas repúblicas recién salidas del huevo imperial español.

... Pues bien, este flujo trajo a América a Rugendas cuando apenas contaba diecinueve años, penetrando de pronto en el magnetismo del Nuevo Mundo para no salir ya mas de esta sugestión poderosa en cuya órbita giró su vida entera." (p.8)

Mauricio Rugendas en su estudio. Valparaíso, 1834

Autor Rugendas, Mauricio, 1802-1858
Título Mauricio Rugendas en su estudio. Valparaíso, 1834
Colección Museo Histórico
Fuente : Memoria Chilena

Mauricio Rugendas: The Harbour of Valparaíso, Siglo XIX.
Pinturas al óleo representando escenas de la historia y vida popular de la América Latina.
Editado en Leipzig, 186?, por Karl W. Heersemann.

Fuente : memoria chilena

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